La presencia judía en Uruguay/ The Jewish Presence in Uruguay

Montevideo

Sinagoga del la Comunidad Israelita del Uruguay
Sinagoga de la Comunidad Sefardí de Uruguay
Instituto Yavne y Sinagoga

Punta del Este

Sinagoga de Punta del Este
Sinagoga Adjut Israel de Punta del Este

Artistas del Uruguay/Artists of Uruguay

José Gurvich

José Gurvich https://wordpress.com/block-editor/post/jewishlatinamerica.wordpress.com/7914

Jaime Kleist

https://wordpress.com/block-editor/post/jewishlatinamerica.wordpress.com/2913

Eva Olivetti

Raúl Pavlotsky

Aída Socolovsky

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Escritores del Uruguay/Artists of Uruguay

Julia Galimare https://wordpress.com/block-editor/post/jewishlatinamerica.wordpress.com/1731

Raúl Hecht https://wordpress.com/block-editor/post/jewishlatinamerica.wordpress.com/2151

Exelyn Wertheimer https://wordpress.com/block-editor/post/jewishlatinamerica.wordpress.com/2413

Mauricio Rosencof

Sandra Beraha — Artista y poeta judío-ecuatoriana — Ecuadoran Jewish Artist and Poet

Sandra Beraja

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Entre los pintores latinoamericanos más exitosos, la forma de Sandra Beraha se compara con impresionistas anteriores, pero su uso de medios creativos, que incluyen tinta, pastel, acrílicos, lana, harina, madera, vidrio y especias la distingue. Sandra, quien comenzó su carrera como artista a los cuatro años, es una poeta publicada y líder en el campo de las artes visuales. Un punto culminante de su carrera, “Maravilloso Ecuador” (Ecuador maravilloso), una colección de más de 700 pinturas, muestra la belleza natural de su hogar durante tiempos de incertidumbre política. Los críticos han señalado: “Desde su regreso a Quito inició uno de los viajes más difíciles, el de elegir entre una de las múltiples fases de su personalidad creativa…” Sus colecciones más recientes combinan su pasión por la pintura con la fotografía digital. Las obras de Sandra se han presentado en América del Norte y del Sur.

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Among the most successful Latin American painters, Sandra Beraha’s form draws comparison to earlier impressionists, but her use of creative media, including ink, pastel, acrylics, wool, flour, wood, glass and spices sets her apart . Sandra, who began her career as an artist at age four, is a published poet and leader in the field of visual arts. A highlight of her career, “Marvilloso Ecuador” (Marvelous Ecuador) a collection of over 700 paintings, showcases the natural beauty of her home during politically uncertain times. Critics have noted, “Since her return to Quito she started one of the most difficult journeys –that of choosing among one of the multiple phases of her creative personality…” Her most recent collections combine her passion for painting with digital photography. Sandra’s works has been featured in both North and South America.

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El arte de Sandra Beraja/ The Art of Sandra Beraja

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Autorretrato

La poesía de Sandra Beraja/ The Poetry of Sandra Beraja

EL OLVIDO
 
Olvidé leer,
Olvido de olvidar,
Aquel olvido, así como nunca estar
Olvidaré.
 
FORGETTING
 
I forgot to read,
I forgot to forget.
That forgetting, thus like never being.
I will forget.

EL PASADO
 
¿Qué decir ya del pasado?
Lo que es.
Parte del tiempo que parte, parte.
 
THE PAST
 
Why still speak of the past?
What is.
A part of time that departs, departs.
 
LA DISCULPA
 
La disculpa es la culpa de ser,
Se mantiene en culpa por la disculpa.
 
THE EXCUSE

The excuse is the fault of being
One affirms guilt by the excuse.
 
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THE BATTLE
 
I have fought battles to reach your heart,
With mine naked to the storms.
 
Defeated I am by your thoughts.
So strong they are,
They buried my heart under the stones
That I placed in your yard.
 
There is where I lay,
Under the leaves that feel,
Under the snow that came.
 
Si tu amor fuera para siempre,
Viviría eternamente
En el aliento que respiras.
 
Es allí donde yo siento
Respirando tu aliento.
 
Es el amor
Donde te encuentro,
Como si sudara a borbotones
Las insensatez de la exageración,
 
 
Una producción al por mayor de ilusiones y desilusión
Correteando el cansancio
Me arrastro hacia la luz de mis errores.
 
Dispuesta a vivir a pesar de mí misma,
Dispuesta a descansar en los brazos del riesgo de ser/ imperfecta,
Me preparo a dormir en mi propia soledad.
 
Una vez más desnuda
Ante la falta de razón
Sudando a borbotones
Las ganas de compresión.
 
Nada tengo ya que decir
Y quisiera saber si lo que he dicho de algo ha servido.
 
¿Será que llegaré a silencio,
O que el silencio ha llegado a mí?
What am I thinking about.
 
Recuerdo más que pienso,
Porque no sé si recordar
Es pensar.
 
Los extremos desbordados
                       deformados
                            exagerados
 
huyen los sensatos
 
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THE BATTLE
 
I have fought battles to reach your heart,
With mine naked to the storms.
 
Defeated I am by your thoughts.
So strong they are,
They buried my heart under the stones
That I placed in your yard.
 
There is where I lay,
Under the leaves that feel,
Under the snow that came.
 
If your love was forever
I would live eternally
In the breath your breath,
 
It is there where I feel
Breathing your breath.
The craziness of exaggeration.
 
It is love
Where I meet you,
As if I was sweating at the boiling point.
 
A wholesale production of illusions and disillusion
Chasing weariness
I drag myself toward the light of my errors.
 
Ready to live in spite of myself,
Ready to rest in the arms of the risk of being imperfect.
I prepare to live in my own solitude.
 
Once more naked
Before the lack of reason
Sweating at a boil
The desire for understanding.
 
And I would like to know if what I have said has had/an effect.
Will it be that I arrive at silence
Or that the silence has arrived to me.
 
I recognized them, didn’t I without knowing who they are
I don’t have anything left to say,
What am I thinking about.
 
I remember more than I think,
Because I don’t know it remembering
Is thinking.
 
I always return home.
I always take off my clothes
 
I have wanted to live with you more
I have wanted to love you.
 
He querido.
 
I rarely go anywhere
And much further.
 
I would like to know what I feel.
Perhaps that may be because I feel nothing that I don’t/ know that I feel.
 
I wish to believe what I tell myself
And I tell myself things not to believe in.
The story continues without knowing what I feel.
 
I have spent so much time with me and with my stories,
That now what do I tell myself?
 
The extremes exceeded
                            deformed
                                 exaggerated
 
flee the sensible.

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Pablo Freinkel — Novelista judío-argentino/Argentine Jewish Novelist — “La casa de Caín”/ “The House of Cain” — fragmento de la novela de misterio/excerpt from the mystery novel

 

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Pablo Freinkel

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Pablo A. Freinkel (Bahía Blanca, Argentina, 1957). Licenciado en Bioquímica. Periodista y escritor. Sus artículos y notas se han dado a conocer en Buenos Aires, New York y Jerusalem; y en medios online nacionales y extranjeros. Es autor de cuatro libros: Diccionario Biográfico Bahiense, el ensayo Metafísica y Holocausto, y las novelas El día que Sigmund Freud asesinó a Moisés y Los destinos sagrados. Escribió el guión del documental Matthias Sindelar: un gol por la vida. Ha dictado conferencias sobre Spinoza, Maimónides y literatura judía argentina actual, en diferentes instituciones del país.  Se encuentra en redacción El lector de Spinoza.

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Pablo A. Freinkel (Bahía Blanca, Argentina,) who has a degree in biochemistry. He is a journalist and writer. His articles and notes have been published in Buenos Aires, New York and Jerusalem, in Argentine and international online media. Freinkel is the author of four books: Diccionario Biográfico Bahiense, Metafísica y Holocausto, and the novel El día que Sigmund Freud asesinó a Moisés and Los destinos sagrados. He wrote the script for Matthias Sindelar: un gol por la vida. He has lectured on Spinoza, Maimonides and on contemporary Argentine-Jewish literature throughout Argentina. His El lector de Spinoza is in press.

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Escrita con un pulso narrativo muy dinámico y hasta casi hipnótico -de esos que dificultan la interrupción de la lectura- Pablo Freinkel nos relata una historia que, si bien se desarrolla cercana a la comunidad judía (son imperdibles y muy interesantes los detalles acerca de las costumbres y tradiciones del pueblo judío) nos atrapa de principio a fin.  —  Pablo Bauchiero, Buenos Aires,  2019.

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Written with a very dynamic and even almost hypnotic narrative pulse – one of those that make it difficult to interrupt reading – Pablo Freinkel tells us a story that, although it takes place close to the Jewish community (the details about the customs and traditions of the Jewish people) grabs us from beginning to end.  —   Pablo Bauchiero, Buenos Aires,  2019.

Para comprar la novela/To buy the novel

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“LA CASA DE CAÍN”

CAPÍTULO 1

— ¡Eso es lo de menos! —Sonia se exasperó por no poder hacerse comprender cómo deseaba— ¡Debe haber algo! ¡Yo sé que hay algo!

Intenté calmar su enojo con una recopilación de los hechos conocidos hasta ese momento.

-Hace muchos años, según te contó un hombre mayor, un grupo de judíos, quizá disidentes o marginales de la comunidad central, se reunía en esta casa para celebrar sus fiestas.

Un paredón cortaba de manera abrupta la callejuela sombría. A escasos metros de allí, frente a nosotros, la fachada del inmueble mostraba las cicatrices de años a la intemperie y la ausencia de mantenimiento. No había diferencia alguna entre este y las construcciones de su entorno, excepto que encima de la puerta de entrada se destacaba una estrella de David inscripta en un círculo. No era un símbolo extraño en sí, ya que la mayoría de los templos hebreos presentaba esa ornamentación. El enigma consistía en saber si alguna vez ese edificio había funcionado como sede de alguna institución comunitaria.

A mi lado, Sonia, anhelante, esperaba una reacción que la convenciera de que no se había equivocado.

-¡Sí! —aplaudió, exaltada—. Creí que no te ibas a acordar.

—También me dijiste entonces que era un buen material para investigar y que te parecía… romántico —casi se desmayó de la emoción. Se pegó a mí y pude sentir el palpitar de su corazón. Todo su cuerpo emanaba un hálito de tierna calidez.

Hacía referencia a una circunstancia ocurrida un par de años atrás, cuando yo me encontraba en la disyuntiva de exponer una investigación periodística acerca de las causas que habían motivado al doctor Sigmund Freud a declarar que el héroe hebreo Moisés no fue más que un simple egipcio sin conexión alguna con el pueblo elegido, la cual creía que iba a constituirse en la base de mi lanzamiento profesional y personal, o huir sin atenuantes para continuar mi existencia carente de sentido. Finalmente, presenté mi labor y no sucedió ninguna de las alternativas consideradas. Ahora, según la apreciación de mi esposa, el misterio de esta casa se presentaba como una segunda oportunidad, en esta ocasión para salvarme de caer en una depresión de límites imprecisos.

—No entiendo —dije eligiendo las palabras para no provocar su frustración—. ¿Qué hay para investigar? Es una casa antigua que no dice nada, y sí, tal vez en algún momento, haya funcionado como templo o club social.

Fue entonces cuando explotó:

—¡Eso es lo de menos! ¡Debe haber algo! ¡Yo sé que hay algo!

Miró el despojo que tenía ante sus ojos casi llorosos por la desilusión, como si le quisiera arrancar alguna palabra, una clave que la condujera a una pista y de allí a la resolución de su secreto. Las mejillas habían enrojecido, un ligero temblor agitaba sus labios y por encima de ellos brillaban unas gotas de transpiración. De pronto, de uno de los bolsillos de su campera extrajo una cámara fotográfica. Tomaba instantáneas casi sin mirar, en sucesión ininterrumpida; se movía de aquí para allá, enfocándose en la estrella inscripta en el círculo. Yo la miraba hacer y creía ver en sus acciones una manera de evitar la rendición, el naufragio definitivo de su esperanza. Poco a poco su humor fue cambiando; el enojo se moderaba, la crispación mudaba en desenfado. De inmediato comenzó a reírse, a expresar una alegría juguetona y despreocupada. Llovieron fotografías sobre mí desde todos los ángulos posibles, incluso los más descarados. Yo me contagié de su cascabeleo. La risa se nos pegaba, uniéndonos en una danza mágica. Hasta que interrumpió el descontrol con una frase concluyente:

It was then that she exploded: “That’s the least of it! There has to be something. I know that there is something!”

She looked at the dilapidation in front of her almost tearful eyes, as if she wanted to pull out a word, a key that would lead her to a trail and from there a resolution of its secret. He cheeks had reddened, a light trembling in her lips and above them shined a few drops of perspiration. Immediately, from one of the pockets or her jacket, she took out a camera. She took snapshots, almost without looking, in uninterrupted succession; she moved from here to there, focusing on the star WRItten in the circle. I watched her do it and believed I saw in her actions a manner to avoid surrender, the definitive ship wreck of her hopes. Little by little, her mood was changing; her anger cooled, the tension became ease. Suddenly, she began to laugh, to express a playful and unworried joy. Photographs rained over me from all angles, including the most shameless. I was infected by her jingling. The laughter stuck us together, uniting us in a magical dance. Until she interrupted the lack of control with a concluding phrase:

— ¡Me muero de hambre!

La miré, seguramente con la estúpida expresión de un hombre enamorado. El arrebol de sus mejillas se había intensificado; brillaban sus ojos, los labios entreabiertos invitaban al encuentro, el deseo vibraba en cada fibra de nuestro ser. Ella puso fin a ese momento con un gesto indolente, un mohín que la hizo más bella si esto era posible. Guardó la cámara y empezó a caminar hacia la calle que marcaba el límite de la cortada. En eso se detuvo mirando a su alrededor.

— ¿Qué pasa? —quise saber hablándole desde unos pasos atrás.

—Ni siquiera sabemos cómo se llama este recoveco —miró a uno y otro lado buscando en vano un cartel de señalización—. No podemos irnos sin saberlo. ¡Es importante!

Sin pensarlo, encaró hacia una de las casas y tocó el timbre. El ladrido de uno o varios perros respondió a la chicharra y poco después se asomó una mujer mayor, menuda, cuya cabeza estaba cubierta por pequeños ruleros colocados apretadamente uno junto al otro, con una redecilla invisible sosteniendo el conjunto. Nos miró con precaución dando un paso atrás, hacia el interior. Usaba un vestido viejo y encima un abrigo de lana deformado por los varios de años de servicio.

— ¿Qué se les ofrece? —graznó una voz pastosa.

—Discúlpenos, buena señora —Sonia utilizaba sus mejores modales, pero estos a veces se confundían con un tono sarcástico—, ¿sería tan amable de decirnos el nombre de esta calle?

La mujer nos volvió a mirar, sus ojos relampaguearon y con una sonrisa en sus labios finos y resecos, respondió antes de desaparecer tras la puerta:

—La calle de Caín.

La actitud y las palabras de la vieja habían impresionado a mi esposa, que se mantuvo en silencio por varias cuadras rumbo a nuestro departamento. Me sorprendía su falta de reacción, la ausencia de comentarios, el andar cabizbajo. Verdaderamente, ese encuentro había hecho un fuerte impacto en Sonia. Permanecía callada ante mis insistentes requisitorias, se molestaba cuando yo la distraía del ensimismamiento en que se había sumido. A poco de llegar a destino, se paró en seco y me miró como si fuera la primera vez que me tenía frente a ella. Entonces dijo con una gravedad que apenas le conocía:

— ¿Cómo hizo esa mujer para ponerse los ruleros uno tan cerca del otro  sin que se le escapara una sola mecha de pelo?

La observé incrédulo, pasmado, sin poder salir de mi asombro. Había andado casi un kilómetro sin hablar, creyendo que estaba sumergida en vaya uno a saber qué pensamientos profundos, y lo único que había ocupado su mente era la destreza de la anciana para colocarse esos ridículos adminículos en la cabeza.

— ¿Eso es todo? —le pregunté atorado por la rabia.

— ¿Qué?

—Lo único que te llamó la atención de esa mujer.

—Es una tontería, ya sé. Pero hay que reconocerle habilidad y pericia para lograr esa perfección.

Me di vuelta y seguí mi camino, dejándola varios metros atrás. Ella corrió para ponerse a la par y empezó a embromarme, a burlarse de mí hasta que no toleré más y, atrayéndola hacia mí, le estampé un beso apasionado que la dejó sin aire.

— ¡Caballero! ¿Cómo se atreve?

Una vez en casa, retiró una pizza del freezer y la colocó en el horno de microondas. A pesar de que reconocía su utilidad en momentos complicados, yo detestaba esas comidas rápidas y para no ocasionar una discusión inútil dejé pasar la cuestión. En tanto la electricidad hacía su trabajo, ella fue a la computadora. Conectó la cámara digital al CPU y la primera toma apareció en la pantalla. Era una imagen panorámica de la casa: la puerta, las dos ventanas, el estado general de deterioro. Una a una, desfilaban las fotografías sin aportar ningún detalle que nos pusiera en la huella. La alarma del horno nos sacó de clima justo cuando empezaban a verse las fotos que me ubicaban en la escena en cuestión.

Fuimos a almorzar sin expectativas de hallar nada. La primera ronda de imágenes había sido decepcionante, circunstancia que se tradujo en la falta de ímpetu siquiera para comentar la reciente aventura. Mientras comíamos, Sonia tenía la vista fija en la bandeja de la pizza como si la interrogara en procura de respuestas. Me molestaban esos silencios, así que para licuar la tensión traté de ver las cosas con optimismo:

—Es inútil hacerse problemas por algo que no sabemos si existe. Vamos a echarle una mirada a esas fotografías y si no obtenemos resultados concretos, nos despedimos de todo el asunto.

—No —replicó sin atenuantes—. Puedo sentir que allí efectivamente tenemos una punta de lo que buscamos.

—¿Y qué buscamos? —pregunté interesado en su respuesta.

—Te lo diré cuando lo encontremos.

Los argumentos de esa naturaleza no se pueden discutir: A es B porque B es A, carecen en absoluto de lógica. Puse un punto final y elogié el excelente sabor de la pizza.

Después de hacer orden en la cocina, regresamos a la computadora. Otra vez desfilaron las imágenes. Esta vez, utilizamos el zoom para observar detalles que a simple vista se nos pudiesen haber escapado. Miramos una por una hasta que en la pantalla brilló nuevamente la primera de la serie dedicada a mí. Sonia esbozó una sonrisa; acercaba y alejaba la imagen a gusto mientras uno de mis ojos ocupaba todo el espacio o mi nariz se reducía hasta la insignificancia. Ahora ella jugaba, se divertía. Repetía la misma operación con cada una de las tomas estallando en carcajadas. En realidad, yo ya me estaba aburriendo y le prestaba poca atención.

—Miren la orejita de Marquitos —escuché que decía en tono dicharachero. Desvié la mirada hacia la pantalla y en efecto allí estaba mi oreja en primer plano. Iba a decirle que ya era suficiente cuando noté un detalle repentino, apenas una sombra.

—Esperá, esperá —le dije con un grito cuando se aprestaba a avanzar. Sonia se sobresaltó y quedó estática—. Buscá el centro de la estrella… Andá paso a paso… no te apures.

La imagen quedó fija en el hexágono delimitado por la intersección de los dos triángulos que conformaban la estrella. Allí, en el centro, en medio de la figura de seis lados, destacaba lo que podía ser apenas un cambio de textura, una sombra o una de las tantas irregularidades en el revoque por obra del paso del tiempo. Tal vez, la necesidad de ver algo para compensar las horas perdidas en esa tarea. Tenía el aspecto de una letra “r” de imprenta al revés o, quizá, podía ser también una coma o un bastón. A pesar de la falta de precisión, era similar a algo conocido que todavía no podía precisar.

— ¿Ves esto? —pregunté acompañando una y otra vez el contorno que aparecía en la pantalla con mi dedo índice derecho extendido.

—Está muy borroso, quizá sea una imperfección.

— ¡Pero lo ves! —reiteré para borrar la duda que tenía.

—Sí, acá está —me quitó la mano y empezó a copiar mi movimiento—. No es tu imaginación. Creo.

La miré como haciéndole notar que su última observación estaba de más.

—Está bien, está bien —dijo cubriéndose la cabeza, previendo un posible ataque que naturalmente nunca llegó—. Bueno, querido, preparate. Mañana tenemos una nueva excursión hasta la casa del misterio. Pero en esta ocasión, llevaremos una escalera.

Una vez más, Sonia me sorprendió con su iniciativa. Las dudas que yo podía albergar, para ella eran certezas incontrastables. Allí había algo y teníamos la obligación de descubrirlo. Con total espontaneidad había titulado el asunto como “la casa del misterio”. Habrían de pasar varios días para que ella misma lo redefiniera como “la casa de Caín”.

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“THE HOUSE OF CAIN”

CHAPTER 1

“That’s the least of it!” Sonia was exasperated for not being able to be understood as she wished. There must be something! I know that there is something!

She tried to calm her anger with a review of the facts known up to that moment.

“Years ago, according to what an old man tole you, a group of Jews, perhaps dissidents or separated from the central community, met in that house to celebrate their parties.

A wall cut abruptly into the cheerless alley. A few meters ahead, in front of us, the façade of the building showed the scars of years of weather and the absence of maintenance. There was no difference at all between this one and the buildings of the area, except that above the entrance door stood out a Star of David within circle. In itself, it wasn’t a strange symbol, since the majority of Jewish temples carry this ornamentation. The enigma consisted in knowing if at one time that building had functioned as the headquarters for a community organization.

At my side, Sonia, eager, hoped for a reaction that would convince her that she hadn’t been mistaken.

“Yes!, she approved, very excited, “I thought you weren’t going to remember.”

“You also told me that then that it was a good subject to investigate and that it seemed to you ‘romantic.’ You almost fainted from the emotion. She stuck tight to me and I could hear the beating of her heart. Her entire body emanated a breath of tender warmth.

She was making reference to a circumstance that had occurred a couple of years earlier, when I entered in the quandary whether to expound a journalistic investigation about the causes that had motivated Dr. Sigmund Freud to declare that the Jewish hero Moses wasn’t not more than a simple Egyptian without any connection whatsoever with the chosen people, that he believed was going to constitute the my launch personally and professionally, or flee, without extenuating circumstances to continue my meaningless existence. Finally, I presented my work and neither of the considered alternatives took place. Now, according to my wife’s view, the mystery of this house presented itself as a second opportunity, in this occasion to save me from a depression of imprecise limits.

“You also told me that then that it was a good subject to investigate and that it seemed to you ‘romantic.’ You almost fainted from the emotion. She stuck tight to me and I could hear the beating of her heart. Her entire body emanated a breath of tender warmth.

She was making reference to a circumstance that had occurred a couple of years earlier, when I entered in the quandary whether to expound a journalistic investigation about the causes that had motivated Dr. Sigmund Freud to declare that the Jewish hero Moses wasn’t not more than a simple Egyptian without any connection whatsoever with the chosen people, that he believed was going to constitute the my launch personally and professionally, or flee, without extenuating circumstances to continue my meaningless existence. Finally, I presented my work and neither of the considered alternatives took place. Now, according to my wife’s view, the mystery of this house presented itself as a second opportunity, in this occasion to save me from a depression of imprecise limits.

“You also told me that then that it was a good subject to investigate and that it seemed to you ‘romantic.’ You almost fainted from the emotion. She stuck tight to me and I could hear the beating of her heart. Her entire body emanated a breath of tender warmth.

She was making reference to a circumstance that had occurred a couple of years earlier, when I entered in the quandary whether to expound a journalistic investigation about the causes that had motivated Dr. Sigmund Freud to declare that the Jewish hero Moses wasn’t not more than a simple Egyptian without any connection whatsoever with the chosen people, that he believed was going to constitute the my launch personally and professionally, or flee, without extenuating circumstances to continue my meaningless existence. Finally, I presented my work and neither of the considered alternatives took place. Now, according to my wife’s view, the mystery of this house presented itself as a second opportunity, in this occasion to save me from a depression of imprecise limits.

The attitude and words of the old lady had impressed my wife, who maintained silence for several blocks on the way to our apartment. Her lack of a reaction surprised me, the absence of comments, the walking head down. Truly, that meeting had had a strong impact on Sonia. She remained quiet against my insistent requests; she was bothered when I distracted her from the self-absorption into which she had sunk. A bit before arriving at her destination, she stopped cold and looked at me as if it were the first time she had me in front of her, Then, she said with a gravity that I hardly knew she had:

“How did that women put her rollers so close together without a single a single bit of hair escaping?

I observed her, incredulous, confounded, without being able to get over my surprise. She had walked almost a kilometer without speaking,  I, believing that she was immersed in who knows what profound thoughts, and the only thing that had occupied her mind was the old lady’s skill in placing those ridiculous gadgets on her head

“That’s all?” tongue-tied with anger, I asked her.

“What?

“The only thing that caught your attention about that woman.”

“It’s nonsense, I know. But you have to recognize her skill and expertise in achieving that perfection. I turned around and continued on my way, leaving her several meters behind. She ran to catch me, and she began to tease me, to make fun of me until I couldn’t take it anymore, and bringing her close to me, I hurled a kiss at her that left her without air.

“Sir, how dare you?”

Once at home, she took a pizza from the freezer and placed in the microwave oven. Although I recognize their utility in complicated times, I detest these quick dinners and in order to avoid a useless discussion, I let the issue pass. As soon as the electricity did its work, she went to the computer. She connected the digital camara to the CPU and the first shot appeared on the screen. It was a panoramic image of the house: the door, the two windows, the general state of deterioration. One after one, the photographs filed past without adding any detail that might put us on the trail. The oven alarm took us out of the fixation just when photos that placed me in the scene in question,

We went to have lunch without the expectation of finding anything. The first round of images had been disappointing, a circumstance the translated into a lack of impetus to even comment on the recent adventure. While we ate, Sonia had her eyes fixed on the pizza tray as if she were interrogating it to search of answers. I detest these silences. These silences bother me, so to melt the tension, I tried to see things with optimism:

“It’s useless to create problems about something that we don’t know if it exists. We’ll take a look at these photos, and if we don’t get concrete results, we’ll say goodbye to the matter.”

“No” she replied without any hesitation. “I can feel that here we have, in effect, a starting point for what we’re looking for.”

“And what are we looking for?” I asked, interested in her answer.

“I will tell you when we find it.”

Arguments of this nature can’t be discussed: A is B because B is A, absolutely is illogical. I put a final point to it, and I praised the excellent taste of the pizza.

After straightening up the kitchen, we returned to the computer. Once again, the images filed by. This time, we used the zoom to observe details that at a quick look could have escaped us. We looked at one after another until on the screen shined again the first series dedicated to me. Sonia gave a hint of a smile and moved away from the image as she pleased, while one my eyes occupied all of the space or my nose was reduced to insignificance. Now she was playing, enjoying herself. She repeated the same operation with each of the shots, breaking out in loud laughter. Truthfully, I was getting bored and I didn’t pay much attention to her.

“Look at Marquitos’ ear” I heard in a chatty tome. I diverted my gaze to the screen and in effect there was my ear in the closeup. I was going to tell her to stop, when I noticed a sudden detail, hardly a shadow.

“Wait, wait”  I told her with a shout when she was about to advance. Sonia was startled and stopped ecstatic. “Look in the center of the star. . . Go bit by bit. . .  Don’t hurry. It had the aspect of the letter “r” printed backwards, or , perhaps it could also be a comma or a walking stick. Despite the lack of precision, it was similar

The image remained fixed in the hexagon delineated by the intersection of the two triangles that made-up the star. There in the center, in the midlle of the six-sided figure, stood out what could be a slight change in texture, a shadow or one of those many irregularities in plaster in the caused by the passage of time. Perhaps, the necessity to see something to compensate for the hours lost in the task. It had the aspect of the letter “r” printed backwards, or perhaps it could be a comma or a walking stick. In spite of the lack or precision, it was similar to something known that I could not yet determine.

“Do you see this?” I asked once and again with the outline that appeared on the screen with my right index finger.

“It’s very blurred. Perhaps, it’s an imperfection.?

“But you see it!” I reiterated to put away the doubts she had.

“Yes, here it is!” She took away my hand and began to copy my movement. “It’s not your imagination. I think.”

I watched her making a note that her last observation was a bit too strong.

“It’s okay! It’s okay! I said, covering my face anticipating  an attack that naturally never happened/arrived.

“Good, my dear! Prepare yourself. Tomorrow we will have a new excursion to the mystery house. But this time, we’ll bring a ladder.

Once more, Sonia surprised me with her initiative. The doubts that I could harbor were for her  unshakeable certainties. There was something there, and we had the obligation to find it. With total spontaneity, she had entitled the matter: “the house of mystery.” Several days would have to pass before she would redefine it as “The House of Cain.”

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Libros de Pablo Freinkel/Books by Pablo Freinkel

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Adina Worcman — Escultora e artista brasileira-judaica/Escultora y artista judío-brasileña/Brazilian Jewish Sculptor and Artist — “Familia”/”Family”

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Adina Worcman

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Arte Expo

Adina Worcman, naturalizada brasileira, nasceu em Rosenheim (Alemanha), em 1948. Formou- se em Pedagogia, Língua Hebraica e Arte Educação, e desde 1975 está envolvida com as artes plásticas. Lecionou Educação Artística, Língua Hebraica e Artes Plásticas em vários ateliês-escola durante 25 anos. Sua formação inclui cursos e workshops no Liceu de Artes e Ofícios, nas Oficinas Oswald de Andrade, Mube, Pinacoteca do Estado de SP e na Escola Panamericana de Artes. Cursou escultura com os professores Antonio Santos Lopes e Carlos Garcia Aires, e pintura com Renato Pinto. Premiada no Brasil e exterior, cria troféus para várias empresas, e em 2006 recebeu o 9º lugar em escultura na 6ª Bienal de Roma. Além das Artes, Adina se dedica à escrita e faz parte de Antologias Literárias no Brasil e exterior.

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Adina Worcman, brasileña naturalizada, nació en Rosenheim (Alemania), en 1948. Se licenció en Pedagogía, Lengua Hebrea y Educación Artística, y desde 1975 se dedica a las artes plásticas. Enseñó Educación Artística, Lengua Hebrea y Artes Plásticas en varios talleres escolares durante 25 años. Su formación incluye cursos y talleres en el Liceo de Artes y Oficios, en Oswald de Andrade, Mube, Pinacoteca do Estado do SP y en la Escuela Panamericana de Artes. Estudió escultura con los profesores Antonio Santos Lopes y Carlos García Aires, y pintura con Renato Pinto. Premiada en Brasil y en el exterior, crea trofeos para varias empresas, y en 2006 obtuvo el noveno lugar en escultura en la VI Bienal de Roma. Además de las artes, Adina se dedica a la escritura y es parte de Antologías literarias en Brasil y en el exterior.

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Adina Worcman, naturalized Brazilian, was born in Rosenheim (Germany), in 1948. She graduated in Pedagogy, Hebrew Language and Art Education, and since 1975 she has been involved with the plastic arts. He taught Artistic Education, Hebrew Language and Plastic Arts in several school workshops for 25 years. His training includes courses and workshops at the Lyceum of Arts and Crafts, at the Oswald de Andrade, Mube, Pinacoteca do Estado do SP and at the Panamerican School of Arts. He studied sculpture with professors Antonio Santos Lopes and Carlos Garcia Aires, and painting with Renato Pinto. Awarded in Brazil and abroad, she creates trophies for several companies, and in 2006 she received the 9th place in sculpture at the 6th Bienal de Roma. In addition to the Arts, Adina is dedicated to writing and is part of Literary Anthologies in Brazil and abroad.

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Mezuza

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Violinista (Maestro Isaac Karabichesky)

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Intérprete de Shofar

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Familia

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Oh Calcutta

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Can Can

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 Liberdade de ser

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Dançarinas

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Maternidad

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Familia

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Familia

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Rostro

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Escultura en bronce con base de granito

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Linda Kohen — Artista judía-uruguaya/Uruguayan Jewish Artist — “La cama abierta” y otras pinturas/”The Undone Bed” and Other Paintings

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Linda Kohen

Nacida en 1924 en Milán, Italia, Linda Kohen vive en Montevideo, Uruguay. Huyendo del antisemitismo en vísperas de la Segunda Guerra Mundial, Linda Kohen emigró con su familia a Montevideo a través de Buenos Aires en 1939. Desde entonces, la artista de origen italiano ha vivido y trabajado en la región del Río de la Plata, con un interludio en Brasil (1979-1985). Desde 1949 hasta la desaparición del estudio en 1962, Kohen fue miembro del Taller Torres-García, donde estudió, creó y exhibió su arte. Después de su trabajo en el Taller, llegó a su propio estilo único y personal, creando pinturas íntimas que ofrecen un vistazo a sus momentos, sentimientos y experiencias privadas. Kohen continúa desarrollando su práctica artística desde su casa y estudio en Montevideo.

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Born in 1924 in Milan, Italy, Linda Kohen lives in Montevideo, Uruguay. Fleeing from anti-Semitism on the eve of World War II, Linda Kohen immigrated with her family to Montevideo by way of Buenos Aires in 1939.  Since then, the Italian-born artist has lived and worked in the Río de la Plata region, with an interlude in Brazil (1979-1985). From 1949 until the studio’s demise in 1962, Kohen was a member of the Taller Torres-García, where she studied, created, and exhibited her art.  After her work at the Taller, she arrived at her own uniquely personal style, creating intimate paintings that offer a glimpse into her private moments, feelings, and experiences.  Kohen continues to develop her artistic practice from her home and studio in Montevideo.

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El arte de Linda Kohen/The Art of Linda Kohen

 

 

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Linda Kohen 

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Linda Kohen

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Mamma

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LINDA KOHEND’apres Hilda Lopez (After Hilda Lopez), 1981
Oil on canvas
21⅝ x 18⅛ in. 55 x 46 cm.

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Viajero

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Multitud

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El momento de la escultura

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El momento de la escultura II

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La cama abierta (The bed undone), 2003
Oil and mixed media on canvas
39⅜ x 39⅜ in. 100 x 100 cm.

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El sillón (The armchair), 1999
Oil on canvas
36¼ x 25½ in. 93 x 65 cm.

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Tiempos

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La presencia I

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El Gran Biombo (The Large Screen), 2005
Oil on wood panels
12 panels, each 72¼ x 24⅜ in. 185 x 63 cm.

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La maleta

 

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Bodegón
Óleo sobre cartón   33 x 52 cm.
Circa 1950
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A Leopardi, 1990
Oil on canvas
31½ x 23⅝ in. 80 x 60 cm.

Interview with Linda Kohen.  In English.

CV de Linda Kohen

Collecciones

Museum of Latin American Art, Long Beach, California Samuel Harn Museum of Art, Gainesville Florida USA Museo Nacional de Artes Visuales, Montevideo, Uruguay Museo Gurvich, Montevideo, Uruguay Museo de Arte Americano de Maldonado, Uruguay Museo de Arte Contemporáneo “El País”, Montevideo, Uruguay Museo de Arte Moderno, Buenos Aires, Argentina Centro Cultural Recoleta, Buenos Aires, Argentina Centro Cultural Borges, Buenos Aires, Argentina Museo de Bellas Artes Castagnino, Rosario, Argentina Museo de Arte de São Paulo, Brazil Fundación Ortiz Gurdian, Managua, Nicaragua

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Exhibicions individuales

2017 Vivir, Fundación Pablo Atchugarry, Maldonado, Uruguay Caminos, Museo Mazzoni, Maldonado, Uruguay Natura y el hombre, Fundación Pablo Atchugarry Maldonado, Uruguay 2016 Mamma, Istituto Italiano di Cultura, Montevideo, Uruguay 2015 Uomo, Vicenzo Lovato Gallery, Vicenza Italia Amanti, Galleria Ghelfi, Venice, Italy 2014 Private Life: my house, my table, my bed, myself, Cecilia de Torres, Ltd., New York 2013 Self-Shadows, The Americas Collection, Coral Gables, Florida Pueblo Garzón Gallery, Maldonado, Uruguay 2012 ALONE, Museo Nacional de Artes Visuales, Montevideo, Uruguay I Have Always Liked to Draw, Centro Cultural Borges, Buenos Aires, Argentina TIMES, Pablo Atchugarry Foundation, Maldonado, Uruguay 2011 Ghelfi Gallery, Vicenza, Italy MVD Gallery, World Trade Center, Montevideo, Uruguay Dan Gallery, São Paulo, Brazil The Americas Collection, Coral Gables, Florida Hoy en el Arte Gallery, Buenos Aires, Argentina Las Vertientes Farm Cultural Center, Punta del Este, Uruguay 2010 Centro Cultural Borges, Buenos Aires, Argentina 2009 El Peñasco, Maldonado, Uruguay 2008 Museo Artiguista, Maldonado, Uruguay Palais de Glace, Buenos Aires, Argentina 2007 Meridiano Gallery, Montevideo, Uruguay Centro Cultural Borges, Buenos Aires, Argentina 2005 Cultural Center of Spain, Montevideo, Uruguay 2004 Puerta de San Juan Gallery, Montevideo, Uruguay 2003 Alianza Cultural Uruguay Estados Unidos, Montevideo, Uruguay Centro Cultural Borges, Buenos Aires, Argentina 1999 Museo de Arte Contemporáneo “El País”, Montevideo, Uruguay 1998 Mazzoni Museum, Maldonado, Uruguay Museo Regional de San Carlos, Uruguay Museo de Arte Americano, Maldonado, Uruguay Centro Cultural Recoleta, Buenos Aires, Argentina 1997 Museo de Arte Americano, Maldonado, Uruguay New Israeli Congregation, Montevideo, Uruguay 1995 OEA Exhibition Hall, Buenos Aires, Argentina Museo de Arte Americano, Maldonado, Uruguay 1994 Moretti Gallery, Montevideo, Uruguay Museo de Arte Moderno, Buenos Aires, Argentina Museo de Arte Americano, Maldonado, Uruguay 1991 Álvaro Castagnino Gallery, Buenos Aires, Argentina Moretti Gallery, Montevideo, Uruguay Museo de Arte Americano, Uruguay 1988 Museo de Arte de São Paulo, Brazil Wizo Federation of Uruguay 1987 Cultural House of Alicia Goyena, Montevideo, Uruguay B’Nai B’rith Oriental, Montevideo, Uruguay Museo de Arte Americano de Maldonado, Maldonado, Uruguay 1985 Art Museum of The Organization of American States, Washington D.C. Instituto Cultural Italiano, Montevideo, Uruguay Museo Artiguista, Maldonado, Uruguay 1984 Bonino Gallery, Rio de Janeiro, Brazil Museo de Arte Americano, Maldonado, Uruguay Museum of Fine Arts Castagnino, Rosario, Argentina 1982 Dan Gallery, São Paulo, Brazil 1981 Gallery Meeting Point, Miami, Florida Museo de Arte de São Paulo, Brazil 1978 Ática Gallery, Buenos Aires, Argentina 1977 Arte Múltiple Gallery, Buenos Aires, Argentina 1976 Contemporary Gallery, Montevideo, Uruguay 1975 Trilce Gallery, Montevideo, Uruguay 1971 Moretti Gallery, Montevideo, Uruguay

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Osvaldo Romberg (1938-2019) — Artista judío-argentino/Argentine Jewish Artist — El arte experimental/Experimental Art

 

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Osvaldo Romberg

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Sitio

Osvaldo Romberg, hijo de inmigrantes judíos, estudió arquitectura en la Universidad de Buenos Aires. Enseñó arte en las Universidades de Buenos Aires, Córdoba, Puerto Rico y Tucumán hasta 1973, cuando emigró a Israel, enseñando en la Academia de Artes Bezalel y Diseño por 20 años. Más tarde, enseñó en la Academia de Bellas Artes de Pensilvania en Filadelfia. Durante las últimas cinco décadas y en los cinco continentes, Romberg ha producido trabajos que abordan cuestiones de análisis del color, interpretación y representación del arte y la historia del arte, y las de pinturas históricas famosas para investigar las convenciones políticas y sociales de mirar y ver. Romberg se desempeñó como profesor en la Universidad Ben-Gurion, Israel, donde fundó un centro para cine experimental, video y arte mediático. Ha exhibido ampliamente como artista en instituciones como el Kunsthistorisches Museum, Viena; Kunstmuseum, Bonn; Museo Ludwig, Colonia; Museo del Sudo, Tokio; El museo de Israel, Jerusalén; El museo judío, Nueva York; la XLI Bienal de Venecia, Pabellón de Israel; El museo de arte de Filadelfia; Museo de Arte Moderno, Buenos Aires; y el Van Abbemuseum, Eindhoven.

Adaptado de http://zcagallery.com/artist/osvaldo-romberg/

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Osvaldo Romberg, the son of Jewish immigrants, studied architecture at the University of Buenos Aires  He  taught art at the Universities of Buenos Aires, Côrdoba, Puerto Rico and Tucumán until 1973, when he emigrated to Israel, teaching at the Bezalel Academy of Arts and Design for 20 years. Later, he taught at the Pennsylvania Academy of the Fine Arts in Philadelphia. Over the past five decades and on five continents, Romberg has produced  work that tackles questions of analysis of color, interpretation and representation of art and art history, and those of famous historical paintings to investigate the political and social conventions of looking and seeing.  Romberg served as a professor at the Ben-Gurion University, Israel, where he a founded a center for experimental cinema, video and media art. He has exhibited widely as an artist at institutions including the Kunsthistorisches Museum, Vienna; Kunstmuseum, Bonn; Ludwig Museum, Cologne; Sudo Museum, Tokyo; The Israel Museum, Jerusalem; The Jewish Museum, New York; the XLI Venice Biennial, Israel Pavilion; The Philadelphia Museum of Art; the Museum of Modern Art, Buenos Aires; and the Van Abbemuseum, Eindhoven.

Adapted from http://zcagallery.com/artist/osvaldo-romberg/

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Guillermo Kuitka — Artista judío-argentino de renombre internacional/Argentina Jewish Artist of International Renown

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Guillermo Kuitka

Descendiente de inmigrantes judíos y criado durante el brutal período de la dictadura militar conocida como la “Revolución Argentina” (1966-1973), Guillermo Kuitca produce poderosas pinturas, esculturas, dibujos e instalaciones que resuenan con temas de aislamiento, dislocación y soledad. Aunque casi siempre está desprovisto de humanos, sus obras tienen un fuerte sentido de presencia humana, con motivos como carruseles de equipaje del aeropuerto, mapas, planos de apartamentos y gráficos de asientos de teatros que se ejecutan en sus muchas creaciones. Como él explica, sus obras sostienen “la verdad, la historia, el pasado, la experiencia.

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Descended from Jewish immigrants and raised during the brutal period of military dictatorship known as the “Argentine Revolution” (1966–73), Guillermo Kuitca produces powerful paintings, sculptures, drawings, and installations resonant with themes of isolation, dislocation, and loneliness. Though almost always devoid of humans, his works have a strong sense of human presence, with motifs like airport baggage carousels, maps, apartment floor plans, and theater seating charts running throughout his many creations. As he explains, his works hold “the truth, the story, the past, the experience.

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Pinturas/Paintings

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Teatros/Theaters

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en MoMa en Nueva York

Manuel Kantor (1911-1983) Artista y judío-argentino/Argentine Jewish Artist — De Bahía, Brasil al barrio La Boca en Buenos Aires/From Bahia in Brazil to the Boca neighborhood in Buenos Aires

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Autorretrato del pintor

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Manuel Kantor

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 Manuel Kantor (1911- 1983), o “Menke”, ex jugador de voleibol que brilló en la Selección argentina y fue medalla de bronce en los Juegos Olímpicos de Seúl ’88. Nació en Buenos Aires en 1911, vivió también en Rîo de Janeiro y en Bahía, en Brasil, y murió en Jerusalén, en 1983. Fue un gran pintor, dibujante, retratista, caricaturista político y muralista que además hizo de sus viajes un estilo de vida nómade que contrastaba con su aspecto de dandy. El judaísmo siempre estuvo presente en la vida de Kantor, desde la ortodoxia de sus padres de origen ruso, quienes llegaron al país en 1906. Hizo el boceto para la composición del friso del mural de Tobías el Lechero, un relato popular de Scholem Aleijem, reconocido autor de la literatura idish. También hizo pinturas sobre Tel Aviv y Eilat, paisajes en el que el artista solía inspirarse durante su estadía en Israel.

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Manuel Kantor (1911- 1983), or “Menke”, a former volleyball player who shone in the Argentine National Team and won a bronze medal at the Seoul Olympics ’88. He was born in Buenos Aires in 1911, he also lived in Rio de Janeiro and Bahia, in Brazil, and died in Jerusalem, in 1983. He was a great painter, draftsman, portraitist, political cartoonist and muralist who also made his travels a style of nomadic life that contrasted with his dandy appearance. Judaism was always present in the life of Kantor, from the orthodoxy of his parents of Russian origin, who came to the country in 1906. He did a sketch for the composition of the frieze on the mural of Tobías el Lechero, a popular account of Scholem Aleichem, renowned author of Yiddish literature. He also did paintings about Tel Aviv and Eilat, landscapes that inspired the artist during his stay in Israel.

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Pinturas de Bahía,Brasil/Paintings of Bahia, Brazil

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Un lago en Brasil/A Lake in Brazil

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Pinturas de La Boca, una vecindad en Buenos Aires/Paintings of La Boca in Buenos Aires

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Caricaturas de los Nazis/Caricatures of the Nazis

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Libros de Manuel Kantor/Books by Manuel Kantor

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Rubén Cukier– Artista surrealista innovador judío-argentino, radicado en Israel/Argentine Jewish Innovative Surrealist Artist, living in Israel

 

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Rubén Cukier

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rubencukierart.com

Rubén Cukier, nacido y criado en Buenos Aires en 1964, en una Argentina políticamente violenta. Ahora vive en Israel. Cukier elige colores y sombras que revelan un anhelo por una realidad menos superficial y menos engañosa. Las formas, dimensiones y colores dan forma a los sueños y pesadillas, e incluso aluden a una noción de esperanza. El humor se usa para reflejar miedos, hábitos y deseos que la mayoría de nosotros negamos y reprimimos profundamente dentro de yuxtaposiciones inesperadas que, al principio, son desconcertantes y provocan pensamientos, pero cuando se consideran más de cerca, producen reconocimiento. El reconocimiento de sueños, miedos o pensamientos que nosotros mismos pudimos haber experimentado en un momento u otro.

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Rubén Cukier, born and raised in Buenos Aires in 1964, in a politically violent Argentina. He now lives in Israel. Cukier chooses colors and shades that reveal a yearning for a less superficial, less deceptive reality. The forms, dimensions and colors give shape to dreams and nightmares, and even allude to a notion of hope. Humor is used to reflect fears, habits and desires that most of us deny and suppress deep within Unexpected juxtapositions that, at first, are baffling and thought provoking but when considered more closely, produce recognition. The recognition of dreams, fears or thoughts that we ourselves may have experienced at one time or another.

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El diccionario define el surrealismo, como un estilo de arte y literatura, enfatizando el significado subconsciente o no racional de las imágenes a las que se llega mediante el automatismo o la explotación de los efectos del azar y las yuxtaposiciones inesperadas.

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The dictionary defines surrealism , as a style of art and literature, stressing the subconscious or non rational significance of imagery arrived at by automatism or the exploitation of chance effects and unexpected juxtapositions.

– Lydia Schrufer, BFA. Adaptada de:/Adapted from: rubencukierart.com

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Mesías/The Messiah

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The Black Box

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El aeropuerto de ángeles

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Escape into Life

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Jerusalem

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Sacred

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La peluca de los alondras/The wig of larks

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Cabecita loca

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Warming

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Pampa

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Da Vinci Bio-construction

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Noemí Gerstein (1908-1996) — Escultora judío- argentina/Argentine Jewish Sculptor — “El Samurai” y obras de metal/”El Samurai” and works in metal

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Noemí Gerstein

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Noemí Gerstein nació en Buenos Aires en 1908. Estudió en la Escuela Nacional de Bellas Artes y en los Cursos Libres de Arte con el escultor Alfredo Bigatti. Patrocinada por el gobierno francés viajó a París y allí concurrió a la Grande Chaumière para estudiar bajo la guía del reconocido artista ruso Ossip Zadkine. Destacada por sus esculturas, el 3 de abril de 1975 la Academia Nacional de Bellas Artes, la designó Académica de Número y fue la primera mujer nombrada con dicho título. Participó de numerosas exposiciones, entre ellas: en el Museo de Arte Moderno de Nueva York, Estados Unidos, en 1967; en la Bienal de Escultura al aire libre Middleheim en Amberes, Bélgica, en el año 1970 y en la Bienal de Venecia, Italia, en los años 1956, 1962 y 1964. Además, exhibió en importantes salas y museos en Alemania, Francia e Israel. En Argentina, expuso también en múltiples galerías e instituciones como, por ejemplo: Museo Provincial de Bellas Artes “Rosa Galisteo de Rodríguez” de la provincia de Santa Fe y Galería El Triángulo, Galería Vermeer, Galería Rubbers y la Galería Guernica de Buenos Aires, entre otros. En 1969, el Estado de Israel la nominó entre las doce personalidades artísticas más importante del mundo. Murió en Buenos Aires, en 1996.

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Noemí Gerstein was born in Buenos Aires in 1908. She studied at the National School of Fine Arts and Free Art Courses with the sculptor Alfredo Bigatti. Sponsored by the French government, she traveled to Paris and attended the Grande Chaumière to study under the guidance of renowned Russian artist Ossip Zadkine. Noted for its sculptures, on April 3, 1975, the National Academy of Fine Arts, designated her Academic of Number and was the first woman named with that title. She participated in numerous exhibitions, including: at the Museum of Modern Art in New York, United States, in 1967; at the Middleheim Open-Air Sculpture Biennial in Antwerp, Belgium, in 1970 and at the Venice Biennale, Italy, in 1956, 1962 and 1964. In addition, she exhibited in important halls and museums in Germany, France and Israel . In Argentina, she also exhibited in multiple galleries and institutions such as: “Rosa Galisteo de Rodríguez” Provincial Museum of Fine Arts of the province of Santa Fe and El Triángulo Gallery, Vermeer Gallery, Rubbers Gallery and the Guernica Gallery of Buenos Aires, among others. In 1969, the State of Israel nominated her among the twelve most important artistic personalities in the world. She died in Buenos Aires, in 1996.

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Escultura de Neomí Gerstein

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Sin título

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Muchacha Santiagüena

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Una moneda

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Soles y lunas

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Relato del lobo Pérez

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Formas

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Torre

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El Samurai

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Maternidad

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La familia

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Tres piezas

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Una exhibición retrospectiva

 

Zoma Baitler (1908-1994) — Artista impresionista y diplomático judío-uruguayo/Uruguayan Jewish Impressionist Painter and Diplomat

 

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Jerusalem

Zoma Baitler 1991
Zoma Baitler

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Para un joven de 19 años, nacido cerca de Kovno, Lituania, Montevideo le debió impresionar como la tierra prometida después de una larga y agotadora travesía marítima. Zoma Baitler, el menor de seis hermanos, no llegó a conocer a su padre al morir él. Eso lo marcó en su infancia. En la sinagoga cercana aprendió el kadish, la oración por los difuntos, antes que la lectura. Atormentado por esa ausencia de un padre solo conocido por fotografías, decidió reaccionar y superar la intensa angustia que le impedía relacionarse con el mundo. La pintura y los estudios fueron abriendo el camino hacia la liberación de sus intensas emociones. Es probable su asistencia a la Escuela de Artes y Oficios y a la ORT, especie de escuela politécnica, de Kovno, optando por especializarse en tipografía, la frecuentación inevitable por la religión en la Escuela Talmúdica, además de asistir al taller del pintor académico Paul Kaufmann. Dominando varios idiomas (idish, hebreo, polaco, alemán, ruso, francés), Baitler estaba bien preparado. La década de los veinte en Uruguay se estiró más allá de sus límites cronológicos, hasta los años 40, la década dorada en la historia uruguaya. Zoma Baitler asistió deslumbrado a ese escenario de efervescencia cultural al cual muy pronto se incorporaría como protagonista. Dotado de cordialidad y simpatía, de la energía del exiliado, Su indeclinable vocación pictórica se manifestó con persistencia, por su apego a la naturaleza, prefirió el lirismo impresionista. No debió ser indiferente a los cuadros de Blanes Viale o Milo Beretta. Al regresar Joaquín Torres García en 1934, fue de los primeros en acercarse al maestro del constructivismo que lo aceptó como alumno. Trabajó con él siete años, sin adherir a sus principios teóricos y prácticos, ejecutando naturalezas muertas convencionales y, de vez en cuando, algún ensayo constructivista. “Llegué al impresionismo naturalmente. Sin esfuerzos, sin violencias. No es que lo eligiera yo. Es que lo llevaba con mi vocación”. La afirmación de Baitler hizo que fuera considerado, realmente, un pintor impresionista. Lo fue en parte. Manejó a su manera que, en principio coincidió con aspectos diversos del impresionismo y el posimpresionismo. Entusiasta de la naturaleza, pintó al aire libre. En la ciudad y el campo. Calles céntricas, caseríos suburbanos, estaciones de ferrocarril, campos cultivados y agrestes, todo lo que contribuye al género paisajístico.

Adaptado de La Red 21.

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For a 19-year-old boy, born near Kovno, Lithuania, Montevideo must have impressed him as the promised land after a long and exhausting sea voyage. Zoma Baitler, the youngest of six brothers, did not get to know his father when he died young. That marked him in his childhood. In the nearby synagogue he learned Kadish, the prayer for the dead, before reading. Tormented by the absence of a father known only for photographs, he decided to react and overcome the intense anguish that prevented him from relating to the world. Painting and studies were opening the way to the liberation of his intense emotions. He is likely to attend the School of Arts and Crafts and the ORT, a kind of polytechnic school in Kovno, opting to specialize in typography, the inevitable frequenting of religion in the Talmudic School, in addition to attending the workshop of the academic painter Paul Kaufmann . Mastering several languages ​​(idish, Hebrew, Polish, German, Russian, French), Baitler was well prepared. The twenties in Uruguay stretched beyond its chronological limits, until the 40s, the golden decade in Uruguayan history. Zoma Baitler dazzled attended that scenario of cultural effervescence which would soon be incorporated as a protagonist. Endowed with cordiality and sympathy, with the energy of the exiled, His indeclinable pictorial vocation manifested persistently, for his attachment to nature, he preferred Impressionist lyricism. He should not have been indifferent to the paintings of Blanes Viale or Milo Beretta. When Joaquín Torres García returned in 1934, he was among the first to approach the master of constructivism who accepted him as a student. He worked with him seven years, without adhering to his theoretical and practical principles, executing conventional still lifes and, from time to time, some constructivist essay. “I came to impressionism naturally. Without efforts, without violence. Not that I chose it. I was carrying it with my vocation. ” Baitler’s claim made him truly considered an impressionist painter. It was partly. He managed in his own way that, in principle, coincided with different aspects of impressionism and post-impressionism. Nature enthusiast, painted outdoors. In the city and the countryside. Downtown streets, suburban hamlets, railway stations, cultivated and rugged fields, everything that contributes to the landscape genre.

Adapted from La Red 21.

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El arte de Zoma Baitler/Zoma Baitler’s Art

 

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Abujav Synagogue en Safed. Israel

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My Garden in Punta del Este

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Paisaje

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Puerto de Buseo, Uruguay

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Jerusalem

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Synagoga Montefiore

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Casa uruguaya

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Cannes, France

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Calle en Jerusalem

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Haifa, Israel

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Harbor, Montevideo

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A Cubist Painting

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Zoma Baitler

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Marcelo Cipis– Artista brasileiro-judeu/Brazilian Jewish Artist — O arte e o humor/Art and Humor

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Marcelo Cipis

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Marcelo Cipis (São Paulo SP 1959)

Marcelo Cipis Inicia sua formação em artes plásticas, em 1968, no ateliê livre de criação coordenado por Naum Alves de Souza (1942), na Fundação Armando Álvares Penteado – Faap. Freqüenta o ateliê de Fanny Abramovitch, entre 1970 e 1971, e tem aulas com Luiz Paulo Baravelli (1942), em 1976. No ano seguinte, ingressa na Faculdade de Arquitetura e Urbanismo da Universidade de São Paulo – FAU/USP, formando-se em 1982. Nesse período começa a trabalhar como ilustrador em revistas e jornais e estuda aquarela com Rubens Matuck (1952). De 1983 a 1985 tem aulas de desenho e pintura com Dudi Maia Rosa (1946). Participa, em 1984, da 11ª Bienal de Artes Gráficas de Brno, na Tchecoslováquia, atual República Tcheca. Realiza sua primeira individual em 1988, na Galeria Documenta, em São Paulo. Participa da 21ª Bienal Internacional de São Paulo, com a instalação Cipis Transworld, das 4ª e 5ª edições da Bienal de Havana, Cuba. Recebe, em 1994, o Prêmio Jabuti pela capa do livro Como Água para Chocolate, de Laura Esquivel, publicado pela Editora Martins Fontes. Em 2000 ganha bolsa da Pollock-Krasner Foundation em São Paulo. Produz ilustrações para vários jornais, revistas e livros infantis.

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Marcelo Cipis began his training in fine arts in 1968 at the free creative studio coordinated by Naum Alves de Souza (1942) at the Armando Álvares Penteado – Faap Foundation. He attends Fanny Abramovitch’s studio, between 1970 and 1971, and has classes with Luiz Paulo Baravelli (1942), in 1976. The following year, he joined the Faculty of Architecture and Urbanism of the University of São Paulo – FAU / USP, graduating In 1982, he began working as an illustrator in magazines and newspapers and studied watercolor with Rubens Matuck (1952). From 1983 to 1985 he took drawing and painting classes with Dudi Maia Rosa (1946). Participates in 1984 at the 11th Brno Biennial of Graphic Arts in Czechoslovakia, the present Czech Republic. Makes his first solo in 1988 at Galeria Documenta, in São Paulo. Participates in the 21st International Biennial of São Paulo, with the installation Cipis Transworld, the 4th and 5th editions of the Havana Biennial, Cuba. In 1994, he received the Jabuti Award for the cover of Laura Esquivel’s book Como Água para Chocolate, published by Editora Martins Fontes. In 2000, he received a scholarship from the Pollock-Krasner Foundation in São Paulo. Produces illustrations for various newspapers, magazines and children’s books.

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Obras de arte/Obras de arte/Artworks

 

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Obra premiada/Obra premiada/Awarded Work

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As capas para libros/Book Covers

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As capas de libros /Book Covers 

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Marcelo Cipis

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Moico Yaker — Artista judío-peruano/Peruvian Jewish Artist — Sobre “Teniendo problemas para rezar” “On Having Trouble to Pray”

 

Moico Yaker Editadas (3)
Moico Yaker

Moico Yaker’s Website

Moico Yaker

Moico Yaker nació en Arequipa, Perú in 1949. Estudió Arquitectura en la University of Miami (EEUU), También estudió literatura, filosofía e historia en la Universidad Hebrea de Jerusalem. Fue a la Escuela de Dibujo y Pintura “Byam Shaw” en Londres y a la École National Supérièure de Beaux-Arts, Paris.

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Moico Yaker was born in Arequipa, Peru, in 1949. He studied Architecture at the University of Miami, Miami, Florida, He also studied literature, philosophy and history at the Hebrew University in Jerusalem. He attended the “Byam Shaw” School of Drawing and Painting in London and the École National Supérièure de Beaux-Arts in Paris.

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“Tener problemas para orar” es una serie continua de sesenta dibujos que representan a un adorador cuya crisis existencial asume dimensiones inesperadas y a veces fantásticas.

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SOBRE “TENIENDO PROBLEMAS PARA REZAR”

Una mañana en Tel Aviv, decidí que la única forma en que podía orar era salir a las calles en busca de una persona religiosa que me obligara a hacerlo. Necesitaba sentir que las rayas de cuero del tefilín apretaban mi piel para precipitar nuevamente de mi corazón el fluido de las emociones que una vez me calentaron los días. Paseé por las calles de Bnei Barak infructuosamente durante unos días, pero no pude encontrar lo que estaba buscando. “Tener problemas para orar” comenzó allí, donde la representación intenta cumplir el mismo acto de orar. . .o de “no rezar”. Un ritual matutino de rayas de tinta en la piel del papel.

Ese día dibujo mi oración mientras mis dedos, enredados en rayas, corren como sangre tan negra como un toro furioso. A la mañana siguiente, mientras dibujaba mi lectura de las palabras santas, son cálidas, como el gato de mi hija acariciando mi pierna. Pero debo concentrarme y trato de encontrar una mejor posición para leer mis oraciones. Me paro en un brazo. Puse el libro en el suelo y lo leí doblado. Pero luego un olivo comienza a crecer de mis dedos, y lo aprieto en mi brazo para dejar claros signos de mi devoción. Al día siguiente, el arbusto ha crecido profusamente, ha florecido. Cuando escuché un zumbido y vi que un grupo de insectos se había unido a mí, cantando al unísono, combinamos nuestras voces y vi cómo sus alas estampadas y las rayas negras alrededor de mi brazo se veían iguales. “Todos debemos ser judíos”, dije. Luego comenzaron a llegar pájaros más coloridos y loros de la jungla, que se acomodaron en el árbol que crecía lentamente de mi cuello. Estaba tratando de repetir solemnemente esas palabras que en un trueno unen todas las cosas en una. . . Pero mi cuerpo ahora se sentía tan ligero como un susurro y podía escuchar a todos mis invitados, algunos silbando y otros chillando en el dosel al ritmo de las letras hinchadas de tinta que no había podido leer. Volví a mirar mi libro de oraciones y noté cuán blanco y desprovisto de tinta se había vuelto mi cuerpo sentado. . Me estremecí en mi transparencia, haciendo que todos los pájaros e insectos de tinta negra saltaran en un trueno de la página blanca, volviéndome una vez más al vacío del día. Pero a la mañana siguiente había crecido un limonero donde aún se podía oír el divino grito. tratando de leer n mandarinas. . . Todos éramos judíos y comenzamos a cantar una canción. Tenía que poner fin a todas estas distracciones banales y concentrarme en mi propósito: tenía que liberar mis oídos y mis ojos, esperando alguna respuesta. En silencio, comencé a envolver las filacterias negras y devolverlas a sus pequeños hogares. En el camino, las rayas de tinta negra surgieron abruptamente de la página blanca y comenzaron a girar y girar caprichosamente, recordándome todos los lugares donde habían estado. Un brazo vacío, mi cabeza desnuda, pájaros cantando sobre el amor, un toro furioso, una flor abierta, un ciervo ciego, todos ellos repetidos incansablemente, en blanco y negro, cómo los árboles, pájaros y montañas, nubes y lluvia, se regocijaban en su recreación; un caos organizado en el que las cabezas y los brazos estaban agrupados en patrones de líneas negras que cobraron vida en cantos piadosos.

Me aparté, notando cuán ansiosamente se reproducían. Estaba sudando tinta negra en mi piel de papel blanco. La intensidad de su devoción los había hecho sólidos, como el canto de toda una sinagoga; mi propia voz ya no se podía escuchar. Me escondí dentro de mi chal de oración, deseando el silencio de una respuesta. Hoy mi piel de papel es blanca otra vez, el espacio vacío que refleja esa hora devota en Tel Aviv. No hay respuestas en su superficie, solo la vanidad de otro lunes por la mañana y un leve recuerdo de mi sueño.

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“Having trouble to Pray” is an ongoing series of sixty drawings that depict a worshiper whose existential crisis assumes unexpected and sometimes fantastical dimensions

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“ABOUT: HAVING TROUBLE TO PRAY”

That day I draw my prayer as my fingers, entangled in stripes, run like blood as black as a raging bull. The next morning as I draw my reading of the saintly words, they are warm – like my daughter’s cat caressing my leg. But I must concentrate, and I try to find a better position to read my prayers. I stand on one arm. I put the book on the floor and read it bending. But then an olive tree starts to grow from my fingers, and I squeeze it on my arm to leave clear signs of my devotion. By the next day the bush has grown profusely, it has flowered. When I heard a buzz and saw a group of insects had joined me, chanting in unison, we matched our voices and I saw how their patterned wings and the black stripes around my arm looked just the same. “We must all be Jewish,” I said. Then more colorful birds and jungle parrots began to arrive, arraying themselves on the tree that was slowly growing out of my neck. I was trying to solemnly repeat those words that in a thunder unite all things in one. . . But my body now felt as light as a whisper and  I could  hear all of my guests—some whistling and others screeching on the canopy to the rhythm of the of the ink-swollen letters that I had been unable to read. I looked back at my prayer book and noticed how white and devoid of ink my seated body had become. . .I shivered in my transparency, making all the black-ink birds and insects to jump in a thunder out of the white page, returning me once again to the emptiness of the day. But next morning a lemon tree had grown where the divine warbling could still be heard. There were many juicy fruits, and the weight of the black ink perfumed the intricate branches that grew tightly around the words of awe I was trying to read.

“This fruit must also be Jewish,” I said, hoping to warm my heart with a feeling of mutual understanding. But I had to make sure and insisted on having the round delightful shapes of my fruits perform my ultimate intention. Quickly, I wound them around my own pen and ink as a sign of belonging to my community. And the lemons turned to apples and they became bananas and soon tangerines. . . We were all Jewish and we began to sing a song. I had to end all these banal distractions and concentrate on my purpose—had to liberate my ears and my eyes, hoping for some answer. Silently, I started to wrap the black phylacteries and return them to their small homes. On the way, the black ink stripes abruptly arose out of the white page and started to twist and swirl capriciously, reminding me of all the places they had been. An empty arm, my naked head, birds singing about love, a raging bull, an open flower, a blind deer, all of them repeated tirelessly, in black and white, how trees, birds and mountains, clouds and rain, rejoiced in their recreation; an organized chaos in which heads and arms were bundled up in think , black-lined patterns that became alive in pious chanting.

I stood back, noticing how eagerly they reproduced. I was sweating black ink on my white paper skin. The intensity of their devotion had made them become solid, like the chant of a whole synagogue; my own voice could no longer be heard. I hid within my prayer shawl, wishing for the silence of an answer. Today my paper skin is white again, the empty space reflecting that devout hour in Tel Aviv. There are no answers on its surface, only the vanity of another Monday morning and a faint remembrance of my dream.

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Víctor Chab — Artista visual judío-argentino/Argentine Jewish Artist — “La pintura surrealista en Argentina”/ “Surrealist Painting in Argentina”

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Víctor Chab

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Víctor Chab nació en la ciudad de Buenos Aires, el 6 de septiembre de 1930, en el seno de una familia de inmigrantes judíos. Nacidos en Damasco, luego de un breve paso por Cuba, sus padres se instalaron en la Argentina donde se dedicaron al comercio. A los trece años, apenas salido de la escuela primaria, Chab ya había definido su vocación por la pintura. Autodidacta, asistió a diversos talleres -brevemente al de Cecilia Marcovich y Demetrio Urruchúa- hasta que conoce el taller libre MEEBA (Mutual de Estudiantes y Egresados de Bellas Artes) donde ejercita el oficio. En 1947 obtiene el Segundo Premio del XXVI Salón Anual de MEEBA, por la obra “Manzana sobre mesa”. En 1952 realiza la primera exposición individual en la galería Plástica de la ciudad de Buenos Aires, comenzando así una larga trayectoria, exponiendo tanto en Argentina como en el exterior. En 2001, exhibe pinturas en la galería Rubbers. Estas obras altamente figurativas ponen en escena varios de los temas que Chab ha tratado en su larga carrera: automatismo versus imagen, representación versus delirio.

Adaptado de: https://artedelaargentina.com/disciplinas/artista/pintura/victor-chab

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Victor Chab was born in the city of Buenos Aires, on September 6, 1930, in a family of Jewish immigrants. Born in Damascus, after a brief step through Cuba, his parents settled in Argentina where they worked in commerce. At thirteen, just after leaving elementary school, Chab had already defined his vocation for painting. Self-taught, he attended several workshops – especially that of Cecilia Marcovich and Demetrio Urruchúa – until he meets the free workshop MEEBA (Mutual of Students and Graduates of Fine Arts) where he exercises the trade. In 1947 he obtained the Second Prize of the XXVI Annual MEEBA Salon, for the work “Apple on table”. In 1952 he made the first individual exhibition in the Plastic Gallery of the city of Buenos Aires, thus beginning a long career, exhibiting both in Argentina and abroad. In 2001, he exhibits paintings in the Rubbers gallery. These highly figurative works put on stage several of the topics that Chab has dealt with in his long career: automatism versus image, representation versus delirium.

Adapted from: https://artedelaargentina.com/disciplinas/artista/pintura/victor-chab

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Pinturas y esculturas de Víctor Chab/

Paintings and Sculpture y Víctor Chab

 

 

 

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Grete Stern (1904-1999) — Fotográfa judío-alemana-argentina/German Argentine Jewish Photographer “Feminismo y surrealismo” “Feminism and Surrealism”

 

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La joven Grete Stern/The young Grete Stern

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Grete Stern nació en Alemania en una familia judía, y en Weimar Berlín, ella y Ellen Auerbach tenían un estudio de fotografía llamado ringl + pit que se especializó en publicidad. Emigró a Buenos Aires en 1935. De 1948 a 1950, Stern fue contratada poruna revista para mujeres para “ilustrar” los sueños que los lectores de la revista(en su mayoría amas de casa argentinas) presentaron. Hizo 150 fotomontajes, llamados Sueños, que comprenden quizás el documento psicológico más brillante y revelador jamás hecho sobre la vida interior de las mujeres de esa época. También hizo retratos de argentinos eminentes y de la gente indígena que vivían en el interior de Argentina.

Adaptado de la Paris Review

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Grete Stern was born in Germany to a Jewish family, and in Weimar Berlin, she and

Ellen Auerbach had a photography studio called ringl + pit that specialized in

advertising. She emigrated to Buenos Aires in 1935. From 1948 to 1950, Stern was

hired by a womans’ magazine to “illustrate” the dreams that readers of the

magazine (mostly Argentine housewives) submitted. She made 150  photomontages

called Sueños (dreams), that comprise perhaps the most brilliant and telling

psychological document ever made of the inner lives of women of that era. Stein

also did portraits of eminent Argentines and of the indigenous of the Argentine

interior.

Adapted from: The Paris Review

Casa de Grete Stern Gracias al arquitecto Rodolfo Besada por el video.

The video is in Spanish. But, you still can see Grete’s House in detail.

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Fotografías de Grete Stein

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Fotografías feministas y surrealistas

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Sueños

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La botella y el mar

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La vida de sueños de Grete Stern/                  The Dream Life of /Grete Stern

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Escaleras/Ladders

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Artículos eléctricos para el hogar/Electric appliances for the home — Hecha con Horacio Coppola/Done with Horacio Coppola________________________________

Fotografías surrealistas

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El ojo eterno/The Eternal Eye

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Concert

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Retratos/Portraits

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Grete Stein – Autorretrato

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Jorge Luis Borges

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Jorge Luis Borges

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Pedro Henríquez Ureña       Intelectual Dominicana

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Juan Ramón Jiménez, Poeta  Premio Nobel en Literatura

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   Fotos de gente indégina/Photos of Indigenous People

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En el Gran Chaco/In the Great Chaco Province

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En el Gran Chaco/In the Great Chaco Province

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En el Gran Chaco/In the Great Chaco Province

Patricia Krasbuch (1956-2018) — Un Homenaje/An Homage — Artista visual y arteterapeuta judío-argentina/Argentine Jewish Artist and Art Therapist — “Visiones azules y espirituales” “Blue and Spiritual Visions”

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Patricia Krasbuch

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Patricia (Patty) Krasbuch nació en Buenos Aires, Argentina, en 1956, y ha estudiado pintura desde que tenía seis años. De 1975 a 1989, Patricia vivió en Israel, donde estudió pintura en Beer Sheva y Haifa. Al regresar a Argentina en 1989, Krasbuch estudió decoración de interiores en Montevideo, diseño gráfico en Buenos Artes y continuó perfeccionando su técnica trabajando en los estudios de arte de varios pintores argentinos líderes. Patricia Krasbuch también estudió con los líderes de grupos junguianos en la Fundación Vínculos en Buenos Aires; con el Dr. Carlos Menegazzo, estudió el psicodrama de los sueños, mitos y símbolos. De su propio trabajo, Krasbuch explica: “Mi trabajo vincula los dos mundos, el de arriba con el de abajo, el cielo y earth, tierra, masculino y femenino, espíritu y materia. El mundo material está en los espacios de silencio, el blanco, el Braille, los símbolos, la luz. Cada color es un viaje meditativo; en él, las cosas dejan de parecer formas concretas y se transforman en metáforas para expresar el verdadero sentido de su existencia a través de su alma. Lo visible es el conocimiento, lo invisible es la sabiduría. En casi todo mi trabajo, uso textos en Braille, un tipo de metáfora. Además, he incorporado elementos de la Cabalá y textos sagrados en mi búsqueda creativa “.                                                                                                APRENDER A VER LO QUE NO SE VE,                                                                                  CERRAR TUS OJOS A QUÉ DISTRACTO.                                                                                     PARA ACEPTAR NUESTRA CEGUERA.                                                                                      PARA INTENTAR DESCUBRIR UNA VISIÓN DE ARRIBA .

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Nota de Steve Sadow: Conocí a Patty Krasbuch, mientras compilaba un sitio web de artistas judío-latinoamericanos. Más tarde, con Cristina Braidotti Z”L Irene Jaievsky y José Rosenberg, estudiamos al efecto de la Liberación de los Campos de Concentración por los Aliados sobre sobrevivientes en la Argentina. La última vez que la vi fue en 2014: una persona muy amable, simpática con una intuición espiritual especial.

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Patricia (Patty) Krasbuch was born in Buenos Aires, Argentina, in 1956, and has studied painting since she was age six years old. From 1975 to 1989 Patricia lived in Israel where she studied painting in Beer Sheva and Haifa. Upon returning to Argentina in 1989, Krasbuch studied interior decorating in Montevideo, graphic design in Buenos Artes and continued to perfect her technique by working in the art studios of several leading Argentine painters. Patricia Krasbuch has also studied  with the leading of Jungian groups at the Vinculos Foundation in Buenos Aires; with Dr. Carlos Menegazzo, she studied the psychodrama of dreams, myths and symbols. Of her own work, Krasbuch explains: “My work links the two worlds, the one above with the one below, heaven and earth, masculine and feminine, spirit and matter. The Material world is in the spaces of silence, the white, the Braille, the symbols, the light. Every color is a meditative voyage; in it things cease to seem to be concrete forms and are transformed into metaphors in order to express the true sense of their existence through their soul.
The visible is the knowledge, the invisible is the wisdom. In almost all my work, I use texts in Braille,a type of metaphor. Also, I have incorporated elements of the Kabbalah and sacred texts into my creative search.”
TO LEARN TO SEE THAT WHICH IS UNSEEN,
TO CLOSE YOUR EYES TO WHAT DISTRACT,
TO ACCEPT OUR BLINDNESS,
TO TRY TO REDISCOVER A VISION FROM ABOVE.”

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Steve Sadow: I met Patty Krasbuch while compiling a website of Jewish-Latin American Art. Later, with Cristina Braidotti Z “L Irene Jaievsky and José Rosenberg, we studied the effect of the Liberation of the Concentration Camps by the Allies on survivors in Argentina. The last time I saw her was in 2014: a very kind, sympathetic person with a lot of spiritual intuition.

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“Visiones azules” “Blue Visiones”

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Creación
2005
técnica mixta con acrílico sobre tela

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La primacía del ser/The Primacy of Being
2003
acrílico sobre tela

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Justicia divina
2003
acrílico y braille sobre tela

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La prueba/The Test
2003
acrílico sobre madera

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Alma gemela/Twin Soul
2005
acrílico y braille sobre tela

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Prueba y milagro/Test and Miracle
2005
acrílico sobre tela

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La visión
2003
acrílico sobre madera

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El peregrino/The Pilgrim
2003
acrílico sobre madera

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Los 72 nombres de Dios y los maestros/The 72 Names of God and the Masters
2005
acrílico y braille sobre tela

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La silla vacía (Homenaje a rabí Nachman).       The Empty Chair (Homage to Rabbi Nachman.)
2005
acrílico sobre tela

Leonardo Nierman — Artista visual y escultor judío-mexicano/Mexican Jewish Artist and Sculptor — “Genesis” y otras obras/”Genesis” and other works

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Leonardo Nierman

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          Desde pequeño, Leonardo Nierman quería ser músico y se dedicó al violín casi dos décadas. Tomó clases particulares y posteriormente estudió en el Conservatorio Nacional de la Música en la Ciudad de México, dando un recital en el Palacio de Bellas Artes. Un día descubre que su talento es insuficiente y no corresponde a sus ambiciones de ser un gran músico y deja el violín. Inicia sus estudios en administración de empresas en la Universidad Nacional Autónoma de México. Un día, al pasar frente a una tienda de material para arte, mira con emoción las cajas de lápices de colores, piensa que el arte puede ser su nuevo hobby y compra pinturas, pinceles y un lienzo. En 1956, -a la edad de 24 años-, pinta su primer mural para el auditorio de su facultad, y a partir de entonces despega su carrera como artista plástico. Ha participado en más de 100 exposiciones individuales en galerías, museos y centros culturales en Norte y Sudamérica, Europa, Asia y Australia. Sus esculturas, pinturas, murales y gobelinos se pueden encontrar en las principales colecciones del mundo.

Algunos galardones que ha recibido son:

Palma de Oro a las Bellas Artes de Mónaco (1969)                                            Medalla Royce de Nueva York (1970)                                                                                           The Golden Medal of the League of Art de Chicago (1980)

Obra en colecciones públicas

Universidad de Harvard, Massachusett                                                                              Instituto de Arte de Detroit, Detroit, Michigan                                                                    Universidad Concordia, Irving, California                                                                    Universidad Yale, New Haven, Connecticut                                                              Northeastern University, Boston, Massachusetts                                                                      Instituto de Arte de Chicago, Illinois                                                                                          Museo del Vaticano, Italia                                                                                                         Museo de Arte Moderno en Haifa, Israel                                                                      Aeropuerto Internacional de Lambert-St. Louis                                                                       Sala Nezahualcoyotl, México, DF

Adaptado de: http://bsgaleria.mx/biografias/leonardo-nierman/

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          Since childhood, Leonardo Nierman wanted to be a musician and devoted himself to the violin almost two decades. He took private lessons and later studied at the National Conservatory of Music in Mexico City, giving a recital at the Palace of Fine Arts. One day he discovers that his talent is insufficient and does not correspond to his ambitions of being a great musician and leaves the violin. He began his studies in business administration at the National Autonomous University of Mexico. One day, as he passes by a store of art supplies, he looks at the boxes of colored pencils with emotion, thinks that art can be his new hobby and buys paintings, brushes and a canvas. In 1956, -at the age of 24 –, he painted his first mural for the auditorium of his faculty, and from then on he took off his career as a plastic artist. He has participated in more than 100 individual exhibitions in galleries, museums and cultural centers in North and South America, Europe, Asia and Australia. His sculptures, paintings, murals and gobelins can be found in the main collections of the world.

Some awards he has received are:                                                                                          Golden Palm for the Fine Arts of Monaco (1969)                                                                  Royce Medal of New York (1970)                                                                                                  The Golden Medal of the League of Art in Chicago (1980)

Work in public collections:                                                                                                    Harvard University, Massachusetts                                                                                              Detroit Art Institute, Detroit, Michigan                                                                            Concordia University, Irving, California                                                                                        Yale University, New Haven, Connecticut                                                                                      Northeastern University, Boston, Massachusetts                                                                            Art Institute of Chicago, Illinois                                                                                              Vatican Museum, Italy                                                                                                              Museum of Modern Art in Haifa, Israel                                                                            Lambert-St. International Airport Louis                                                                                    Sala Nezahualcoyotl, Mexico City

Adapted from: http://bsgaleria.mx/biografias/leonardo-nierman/

Obras de arte de Leonardo Nierman/           Artworks by Leonardo Nierman

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Pinturas/Paintings

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Tributo

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Enchanted Valley

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Genesis

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Firebird

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Tapestry

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Tapiz/Wall-hanging tapestry

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Escultora/Sculpture

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Bronze Sculpture

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Enigma

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Love

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Bird in Flight

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Escultora pública/Public Art

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Flame of Friendship

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Flame of the Millenium – Chicago

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University of Michigan Medical Center

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St. Louis Airport

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San Diego Park

 

Ferruccio Polacco (1917-2012) — Escultor judío-italiano-argentino/ Italian Argentine Jewish Sculptor — “Líneas y curvas”/”Lines and Curves”

 

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Ferruccio Polacco

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Ferruccio Polacco nació en Ferrara, Italia, en 1917. En el arte es autodidacta. Vivió en Venecia hasta que emigra a la Argentina en 1940. Recibe el premio a escultor extranjero en el Salón Nacional de 1958, y más de veinte premios en su larga trayectoria, entre ellos el Premio Trabucco otorgado por la Academia Nacional de Bellas Artes, el más importante desde hace una década en la Argentina. Hasta la década del cincuenta, su obra es figurativa con una simpleza de formas extraordinaria, comienza luego con la abstracción que domina las últimas cinco décadas de su trayectoria. Construye sus obras como integradas al espacio, que ha sido la gran revolución de la escultura en el Siglo XX.

Adaptado de: http://www.respirapinamar.com.ar/curvas/

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Ferruccio Polacco was born in Ferrara, Italia in 1917. He lived in Venice until his immigration to Argentina. He was a self-taught artist. He lived in Venice until he immigrate to Argentina in 1940. He received the prize as foreign sculptor in in the Salón Nacional en 1958 and more than twenty prizes in his long trajectory, among them the Trabucco Prize from the Academia Nacional de Bellas Artes, the most important in a decade in Argentina. Until the 1950s, his work is figurative with an extraordinary simplicity of form. He later began to practice abstraction and this style dominated the his last five decades of work.  As part of the great revolution in sculpture in the twentieth century, he constructed works that were integrated into space.

Adapted from: http://www.respirapinamar.com.ar/curvas/

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Ferruccio Polacco

Escultora/Sculpture

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Rubens Gershman (1942-2008) — Artista visual brasileiro-judeu/BrazilIan Jewish Artist — “Pop Art”

 

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Rubens Gerchman

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Biografia

Rubens Gerschman nasceu em São Paulo na familia judaica. Pintor, desenhista, gravador, escultor. estuda desenho e  freqüenta a Escola Nacional de Belas Artes, entre 1960 e 1961. Em 1967, é contemplado com o prêmio de viagem ao exterior e viaja para os Estados Unidos. Reside em Nova York entre 1968 e 1972. Retorna ao Brasil, assume a direção da Escola de Artes Visuais, Rio de Janeiro. Em 1978, viaja para os Estados Unidos com bolsa da Fundação John Simon Guggenheim. Em 1982, permanece por um ano em Berlim como artista residente,  Em 2000, lança álbum com 32 litografias.

Em suas primeiras telas, Rubens Gerchman pinta cenas urbanas bucólicas. Contaminado pelo universo da cultura de massa, faz quadros retratando as multidões e o mundo impresso nas páginas dos meios de comunicação. Nos trabalhos, as multidões aparecem de forma pouco detalhada, reafirmando o anonimato dos indivíduos. Sua temática sai da vida popular da metrópole: pinta concursos de miss, jogo de futebol e narrativas de telenovelas e histórias em quadrinhos.

Na coletiva Opinião 66, mostra obras críticas da situação brasileira.  Na época, faz seus primeiros trabalhos tridimensionais.  É premiado pelo Salão Nacional de Arte Moderna. Com o prêmio, muda-se para Nova York.  Nos Estados Unidos, ajuda a organizar o boicote à Bienal Internacional de São Paulo, nomeada de “Bienal da Ditadura”. A partir de 1972, suas esculturas ganham a forma de múltiplos. O artista obtém grande sucesso comercial com eles.

Em 1973, retorna definitivamente ao Brasil e faz sua primeira retrospectiva, no Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro. A partir de 1975, assume a direção da Escola de Artes Visuais. No período, dedica-se a telas feitas com base nas narrativas dos quadrinhos e na produção popular de imagens.

Nos anos 1980, o artista retoma a pintura realista. Ocupa-se, sobretudo, de temas como a criminalidade, as multidões e de aspectos pitorescos da vida na cidade.  Essas pinturas são mais coloridas e gestuais. Aproxima-se das correntes neo-expressionismo da época. Na década de 1990, as figuras de suas telas são trabalhadas em esculturas e litografias.

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Rubens Gershman was born in São Paulo in a Jewish family . Paintor, designer, print-maker, sculptor. Between 1960-1961, he attended the National School of Fine Arts. In 1967, he was awarded with a travel fellowship to a country other than Brazil and he travelled to the United States. He lived in New York, 1968-1972. He returned to Brazil and he became direct of the School of Visual Arts in Rio de Janeiro. In 1978, he travelled to New York under the auspices of the John Simon Guggenheim foundation. In 1982, he spent a year in Berlin as an artist-in-residence. In 2000, he published an album with 32 lithographs.

On his first canvases, Gerchman painted bucolic urban scenes. Seeing the contamination by the universe of mass culture, he did paintings that portray the multitudes of people and the world as printed in the pages of the mass media, reaffirming the anonymous quality of the individuals. His themes come the the pop culture of the city: he paints beauty contests, soccer games and  stories from soap operas and comic strips.

As part of the Opinion 66 collective, he showed works critical of the situation in Brazil. In that period, he did his first tridementional works. He is awarded a prize by the National Salon of Modern Art. With the prize money, he moved to New York, In the United States, he helped organize a boicot of the International Biennial of Sáo Paulo, calling it the “Biennial of the Dictatorship.” From 1972 on, his sculptures take on multiple forms.

In 1973, Gershman returned permanently to Brazil, and had his first retrospective in the Museum of Modern Art, Rio de Janeiro. From 1975 on, he was director of the School of Visual Arts. In this period, he dedicated himself to canvases based on comic book stories and the popular imagery.

In the 1980s, the artist returned to realistic painting. He occupied himself, above all, to themes such as criminality, the masses or picturesque aspects of the city. These painting are more colorful and gestural. He moved closer to the neo-expressionism of the period. In the 1990s, the figures from his paintings are reworked in sculptures an lithographs.

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Gershman:  Obras/Works

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O Alegre Morador da Caixa                                           The Happy Resident of the Cash Register                                    acrilica e colagem sobre placa                          acrylics and paste on stiff cardboard
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Futebol. Flamengo campeão campeão [Soccer.Flamengo, the Champion
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Os super homens [Supermen] 

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Dos quadrinhos; /From the Comics.

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Não ha Vagas/They Aren’t Bums     —                                                        Relevo em madera c/tinta – Relief in wood with with ink

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Dos quadrinhos; /From the Comics.

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O Beijo/The Kiss           Seritipia/Silkscreen

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Ómnibus

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Irene Jaievsky –Curadora de arte en museos judío-argentina/Argentine Jewish Curator of Art in Museums

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Curadora de arte/Art Curator

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Autobiografía:

Me gustaría contarles cómo llegué hasta esta apasionante profesión. Comencé un camino de búsqueda a través del arte. Durante varios años estudié con diferentes profesores que me enseñaron variadas técnicas de la escultura hasta llegar a estudiar Escenografía en el Instituto de Superior de Arte del teatro Colón (el más importante teatro de óperas y conciertos de Argentina y prestigioso a nivel internacional.

No existiendo todavía un estudio formal en Curaduría. Me formé con Seminarios y Becas tanto nacionales como en el exterior y mi primera oportunidad llegó!!

Realizar la primera muestra permanente para el Museo del Holocausto de Buenos Aires…Una Gran Responsabilidad!! Y que luego de 20 años está en vías de ser renovada así como el edificio…

Lo que sigue es la propia evolución y crecimiento:

Curadora Museo del Holocausto de Buenos Aires-2001 al 2005

Curadora Museo de Arquitectura y Diseño de Buenos Aires-2003 al 2007

Curadora Galería Arte y Parte-Buenos Aires-2008 al 2010

Curadora Museo de la Mujer-Buenos Aires-2010 al 2017

Curadora – Museo de la Legislatura de la Cdad. de Buenos Aires-2015 al 2017

Al mismo tiempo se presentaban situaciones que amplificaron mis horizontes como trabajar con artistas en otros espacios privados, charlas, conferencias, Congresos, Becas y Seminarios Nacionales e Internacionales, escritura de Catálogos, artículos e Investigaciones.

Becas:

Becaria Fundación Antorchas, Nahum Goldman Fellowship, Getty Foundation, Smithsonian Institute, Jewish Theological Seminary- NYC y Task Force.

Conferencias dictadas en Congresos Internacionales: 

Internacional Consejo de Museos en Viena y en México DF., en Jewish Theological Seminary NYC, en Northeastern University en Boston, en Florida International University, Universidad de Brasilia y en National Building Museum de Washington DC entre otros.

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Ahora después de 17 años de ejercicio de la profesión la idea es escribir un cuaderno práctico con algunas experiencias personales que puedan servir para la gran cantidad de alumnos y nuevos egresados dado que se han creado en estos últimos años muchos espacios para estudiar Curaduría.

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Autobiography:

I would like to tell you how I arrived at this enthralling profession. I began my search through art. For years, I studied with different professors who taught me varied techniques of sculpture, and then set design at the Superior Art Institute of the Colón Theater (the most important theater for opera and concerts in Argentina and internationally prestigious.)

At that time, a formal program of study in curating did not exist in Argentina. I learned by means of Seminars and fellowships in Argentina a well as in other countries, and my first opportunity arrived.

It was to develop the first permanent show for the Holocaust Museum in Buenos Aires. A Great Responsibility!! And 20 years later it, as well as its building is being renovated.

The positions that followed fostered my own evolution and growth

 Curator – Museum of the Holocaust of Buenos Aires

2001-2005

Curator of the Museum of Architecture and Design of Buenos Aires – 2003-2007

Curator Galería Arte + Parte, Buenos Aires, 2008-2010

Curator Museum of the Woman, Buenos Aires, 2010-2017

Curator: Museum of the Legislature of the City of Buenos Aires, 2015-2017

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During those years, situations that amplified my horizons presented themselves, such as work with artist in private spaces, talks, lectures, conferences, fellowships on the national and international level, the writing of catalogues, articles and research.

Fellowships:

Fundación Antorchas, Nahum Goldman Fellowship, Getty Foundation, Smithsonian Institute, Jewish Theological Seminary- NYC y Task Force. 

Lectures given at International Conferences:

International Council of Museum  Vienna and Mexico DF, Jewish Theological Seminary NYC Northeastern University-Boston, Florida International University, University of Brasilia and the  National Building Museum de Washington DC.

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Now, after 17 years of professional work, my idea is to write a practical workbook with personal experiences that would help the great number of students and new graduates in the last few years many ways of studying Curatorship.

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La Curaduría

La curaduría es una manera de conectar fluidamente dos ámbitos que parecen ajenos entre si: la labor de los artistas visuales y las instituciones o espacios en donde se muestran sus obras y se contactan con su público. Es un medio que facilita y reinterpreta ambas necesidades.

Como curadora de arte especializada en museos mi misión siempre fue la de darle visibilidad a las obras de artistas visuales (no importando su técnica) que pudiesen expresar con imágenes profundos pensamientos o sentimientos superando el límite de la  palabra Y es con la gestión que se llevan a cabo las exhibiciones tanto nacionales como internacionales: con la búsqueda del artista/de los artistas y sus obras, la elección del espacio, el diseño de montaje, color y luces, los textos que acompañan la muestra, el diseño del catálogo, el flyer de difusión, entre otras cosas…y todo esto con el sostén que la producción del espacio/institución provee para tal fin.

Quisiera rescatar mi última investigación sobre la cual me he expresado en el congreso de la Asociación de Estudios Judío-Latinoamericanos (LAJSA) in Miami (2015) Trató de los trabajos y conceptos que los artistas visuales contemporáneos judeo-argentinos han trabajado. He tenido el privilegio de haber trabajado con la mayoría.

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Curatorship

Curatorship is a way to connect fluidly two fields that seem to be very different: the work of visual artists and the institutions or spaces in which they show their works and make contact with their public,

It is a medium that facilitates and reinterprets both necessities.

As a curator of specialized art in museums, mi mission was to give visibility  to the artists, no matter their techniques, that could express with profound images, thoughts of feelings, that go beyond the limit of the word. And it is the process that puts together exhibitions, be they local or international: with the search of the artist(s) and their work, the choice of the space, the design of the set-up, color and lights, the texts that accompany the exhibition the flyer for diffusion, among other things. . . and all this with the support the space or institution provides toward that end.

I’d like to point out my most recent research paper presented at the Conference of the Latin American Jewish Studies Organization (LAJSA) in Miami in 2015. The paper dealt with the works and concepts that contemporary Argentine-Jewish artists have produced. I have had the privilege to have worked with the majority of them.

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Unos ejemplos de la curaduría de Irene Jaievsky/  Some examples of the curatorship of Irene Jaievsky

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Como coradura del Museo de la Mujer /As curator of the Museum of the Woman

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Como Curadora Independiente. Exhibición basada en la investigación realizada por un equipo interdisciplinario especialmente organizado por las autoridades del Museo Judío sobre la Historia de los judíos en Argentina-Museo Judío de Buenos Aires -2013-

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As Independent Curator. Exhibition based on research carried out by and interdisciplinary team, specially organized by the directors of the Jewish Museum that dealt with the history of the Jews in Argentina. Jewish Museum, Buenos Aires, 2015.

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Creación y Organización del nuevo Museo de la Legislatura de la Ciudad de Buenos Aires- Vista parcial del área histórico-arquitectónico, 2015-

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As Curator of Creation and Organization of the new  Museum of the Legislature of the city of Buenos Aires. Partial view of the historical-architectural area, 2015-

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Irene HOLOCAUST

Como ex-curadora del Museo del Holocausto de Buenos Aires y Curadora del Museo de la Mujer de Argentina fui convocada por la embajada de Canadá para organizar una muestra colectiva dedicada a la mujer judía-Tiferet- Artistas invitadas Susana Beibe, Jazmine Bakalarz, Hilda Catz  entre otras- Museo del Holocausto de Buenos Aires -2013-

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As curator of the Museum of the Holocaust of Buenos Aires and as Curator of the Museum of the Woman of Argentina, I was invited by the Embassy of Canada to organize a group show dedicated to the Jewish Woman-Tiferet. -Tiferet- Invited artists included Susana Beibe, Jazmine Bakalarz, Hilda Catz and others. – Museum of the Holocaust, de Buenos Aires, 2013.

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Irene Chelnitz

Sinagoga de Chemnitz.-Alemania-Como Curadora del Museo de Arquitectura y Diseño se presentó la muestra de Alfred Jacoby: Espacios Sacros. Nuevas sinagogas alemanas-Este arquitecto judío construyó: 15 sinagogas en los lugares en donde fueron destruidas por los nazis  las anteriores existentes. Luego se la presentó en el Seminario Rabínico de Buenos Aires-2006.

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Synagogue of Chemnitz, Germany, As Curator of the Museum of Architecture and Design, I directed an exhibition of the work of Alfred Jacobu: Sacred Spaces: New German Synagogues.by this Jewish architect who built 15 synagogues, in the original places. that were destroyed by the Nazis. The exhibit was also shown at the Rabbinical Seminary of Buenos Aires, 2006

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Instalación del Totem canadiense en la Plaza Canadá de la ciudad de Buenos Aires-zona Retiro- 2012- Durante dos años fui la curadora de este proyecto que realizó  el artista Kwawitl Stan Hunt en la zona de Vancouver junto con la embajada argentina de Canadá y el Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires.

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Installation of the Canadian Totem in the Canada Plaza of the Retiro area of Buenos Aires, 2012. For two years, I was the curator of this project created by the artist Kwawitl Stan Hunt of Vancouver. The project was sponsored jointly by the Canadian Embassy in Argentina and the Government of the City of Buenos Aires.

 

 

 

Martin Blaszko (1920-2011 ) — Artista visual y escultor judío-argentino/ Argentine Jewish Artist and Sculptor — El movimiento “MADI”/ The “MADI” Movement

 

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Martin Blaszko

Martin Blaszko Website

Martin Blaszko (Martin Blaszkowski) nació en Berlín en 1920. Como su familia era judía, se trasladaron a Polonia en 1933 y luego a Francia en 1938, donde conoció a Marc Chagall. En 1939 emigró con su familia a Buenos Aires.

Comenzó su formación académica en Europa con Jankel Adler y Enrique Barczinski. “En 1945, conocí a Carmelo Arden Quin, el fundador del grupo MADI. La claridad, la frialdad y la estricta ejecución de su obra me impresionaron profundamente”, declaró  A partir de entonces él también sería miembro del movimiento MADI.

En 1952 fue galardonado por el Instituto de Arte Contemporáneo de Londres por su proyecto “Monumento al Prisionero Político Desconocido” expuesto en la Tate Gallery de Londres. En 1958, recibió la medalla de bronce en la Feria Internacional de Bruselas. Se lo reconoció internacionalmente como uno de los escultores más interesantes y originales de Argentina.

En 1990 formó parte de la exposición Artistas latinoamericanos del siglo XX, organizada por el Museo de Arte Moderno (MOMA) de Nueva York. In 2001, realizó una exposición individual en el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires (MAMbA).

La obra de Blaszko refleja la lucha de dos fuerzas antagónicas en las formas geométricas puras de sus esculturas. De alguna manera a través de la tensión y la polaridad es capaz de lograr el equilibrio.

Blaszko es conocido por su trabajo como autor y como artista. Era bastante articulado en sus escritos y capaz de lograr una conciencia no sólo para su propio arte, sino también para el movimiento MADI. Falleció en Buenos Aires en 2011.

Adaptado de: Biografías Gratis: https://www.biografiasgratis.com

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Martin Blaszko (Martin Blazkowski) was born in Berlin in 1920. As his family was Jewish, they moved to Poland and then to France where he meet Marc Chagall. In 1939, he immigrated with his family to Buenos Aires.

He began his academic formation in Europe with Jankel Adler and Enrique Barczinski. In 1945, he met Carmelo Arden Quin, founder of the MADI group. “The clarity, the coldness and the strict execution of his work impressed me profoundly,” he declared. From then on, he would also be a member of the MADI movement.

In 1952, Blaszko was given an award by the Institute of Contemporary Art in London For his project “Monument to the Unknown Political Prisoner.” In 1958, he received the bronze medal from the International Fair in Brussels. He was recognized internationally as one of the most interesting and original sculptors of Argentina.

Blaszko is known for his work as a writer as well as an artist. He was very clear in his writing and capable of reaching an awareness not only for his own art, but also for the MADI movement. He died in Buenos Aires in 2011.

Adapted from: Biografías Gratis: https://www.biografiasgratis.com

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El movimiento MADI en el arte

El arte se caracteriza por suprimir toda referencia a la realidad visible del mundo y eliminar todas las semejanzas con las formas naturales. Permite al hombre inventar objetos para luchar por una sociedad que libera la energía a domina el espacio y el tiempo en todos los sentidos.

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The MADI Movement in Art

Art is characterized by suppressing all reference to the visible reality of the world and eliminating similarities with natural forms. It allows man to invent objects that fight for a society that liberates the energy that dominates space and time in all its meanings.

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Obras/Works

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Pintura Madi, Ritmos dinámicos, 1947
Óleo
Altura 50 cm.

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Plano Azul, 1951
Óleo sobre tela
50×80 cm.

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Armonía en Verdes, 1947
Óleo sobre tela
55 x 90 cm.

final
Pared Madi, 1990
Bronce
60 x 49 x 13 cm.

montaje
Proyecto para el Monumento al Prisionero Político Desconocido” 1952, Aluminio, 110 x 66 x 48 cm

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Contrincantes en eterna lucha, 2005
Madera pintada
49 x 27 x 26 cm.

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Homenaje al Día Internacional de la Paz, 1986. Parque Centenario de Bs As
Aluminio Pintado
Altura 200 cm.

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“Constelación cósmica, 1993
Aluminio pintado
70 x 34 cm.

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La Fuerza, 1955
Madera
26 x 43 x 10 cm.

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La Protesta, 1966
Bronce
20 x 23 x 24,5

 

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Bipolaridades en el contexto urbano, 2005
Aluminio pintado
75 x 41,5 x 35 cm.

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Nostalgia Madí, 2004
Óleo sobre hardboard
49 x 34,5 cm.

 

Roberto Aizenberg (1928-1996) — Artista visual judío-argentino/ Argentine Jewish Artist — “Surrealismo”/ “Surrealism”

 

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Roberto “Bobby” Aizenberg.– jóven/as a young man

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Roberto Aizenberg nació en Federal, Entre Ríos, Argentina en 1928, hijo de inmigrantes judíos. A la edad de ocho años, la familia de Aizenberg se mudó a La Paternal, barrio de Buenos Aires. Roberto Aizenberg recibió su educación secundaria en el Colegio Nacional de Buenos Aires. Más tarde, Aizenberg estudió pintura bajo la dirección de Antonio Berni. Entre 1950 y 1953 fue alumno del surrealista Juan Batlle Planas, un pintor argentino que destacó la importancia del surrealismo y el psicoanálisis. En 1958, la primera exposición individual de Aizenberg tuvo lugar en la Galería Galatea. Uma retrospectiva principal de su obra tuvo lugar en el Instituto Torcuato di Tella en 1969. Esta exposición consistió en esculturas, collages, 50 pinturas y 200 dibujos. Además, sus obras se incluyeron en varias exposiciones colectivas, como la Bienal de São Paulo en 1963. La primera exposición europea de Roberto Aizenberg se organizó en la Galería Hanover de Londres en 1972. En 1973 presentó sus obras de arte en Gimpel y en la Galería Hanover en Zúrich, Suiza. . La pasión de Aizenberg por la arquitectura del Renacimiento influyó vívidamente en sus obras. Muy a menudo representaba torres aisladas, ciudades vacías y edificios misteriosos.

Debido a la dictadura en Argentina, Aizenberg emigró a París en 1977, y en 1981 se mudó a Tarquinia, Italia. En 1982 participó en la exposición celebrada en la Galería Naviglio de Milán. El artista regresó a la Argentina en 1985. Además de su carrera artística, trabajó como profesor. Desde 1985 y 1986 y nuevamente en 1993, Roberto Aizenberg enseñó pintura en la Universidad Nacional de las Artes. En 1986 comenzó a realizar un seminario para la comunidad judía. Roberto Aizenberg murió inesperadamente en Buenos Aires en 1996, mientras preparaba una retrospectiva de su trabajo en el Museo Nacional de Bellas Artes. Aizenberg se casó con Matilde Herrera, periodista y escritora del semanario Primera Plana. Ella tuvo tres hijos de un matrimonio anterior, Valeria, José y Martín Beláustegui. Después del golpe militar, en 1976 y 1977, los tres hijos y sus esposas fueron desaparecidos.

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R0berto Aizenberg was born in Federal, Entre Rios province in 1928. At the age of eight, Aizenberg’s family moved to La Paternal, a Buenos Aires neighborhood. Roberto Aizenberg received his secondary education at the Colegio Nacional de Buenos Aires. Later Aizenberg studied painting under the guidance of Antonio Berni. Between 1950 and 1953 he was a student of the surrealist Juan Batlle Planas, an Argentine painter who underlined the importance of surrealism and psychoanalysis.

 In 1958 Aizenberg’s first solo exhibition took place at the Galería Galatea. The Torcuato di Tella Institute presented a major retrospective in 1969. This exhibition consisted of sculptures, collages, 50 paintings, and 200 drawings. In addition, his works were included in various group exhibitions, such as the São Paulo Bienal in 1963. Roberto Aizenberg’s first European exposure was organized at London’s Hanover Gallery in 1972. In 1973,  he had exhibitions at Gimpel and Hanover Gallery in Zürich, Switzerland. Aizenberg’s passion for the architecture of the Renaissance vividly influenced his works. Quite often he depicted isolated towers, empty towns, and mysterious buildings.

Due to the dictatorship in Argentina, Aizenberg migrated to Paris in 1977, and in 1981 moved to Tarquinia, Italy. In 1982 he participated in the exhibition held at Milan’s Naviglio Gallery. The artist moved back to Argentina in 1985. Besides his artistic career, he worked as a professor. From 1985 and 1986 and again in 1993, Roberto Aizenberg taught painting at the Universidad Nacional de las Artes. In 1986, he started to hold  seminars for the Jewish Community. Roberto Aizenberg unexpectedly died in Buenos Aires in 1996, while preparing a retrospective of his work at the National Museum of Fine Arts. Aizenberg married Matilde Herrera, a journalist and writer of the weekly Primera Plana. She had three children from a prior marriage, Valeria, José and Martín Beláustegui. After the military coup that occurred in 1976 and 1977, the three children and their spouses were disappeared.

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El surrealismo o superrealismo es un concepto que proviene del francés surréalisme. Se trata de un movimiento literario y artístico que busca trascender lo real a partir del impulso psíquico de lo imaginario y lo irracional.

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Surrealism or super-realism is a concept that comes from the French surréalisme. It is a literary and artistic movement that seeks to transcend the real from the psychic impulse of the imaginary and the irrational.

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Roberto Aizenberg —                                                          Obras surrealistas/Surrealist Works

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Esculturas en El Parque Memorial, Buenos Aires/                        Sculptures in the Memorial Park, Buenos Aires

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Michal Kirshbaum — Fotógrafa e artista visual brasileira-argentina-israelense/Fotógrafa y artista visual brasileña-argentina-israelí/Brazilian Argentine Israeli Photographer and Artist — “Metro”e música” “Metro y música “Metro” ״Metro” and Music”

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Michal Kirschbaum

 

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Michal Kirschbaum é brasileira, argentina e israelense. É artista visual, investigadora e docente. Atualmente é doutoranda no programa de pós-graduação em Artes Visuais da Universidade do Estado de Santa Catarina (UDESC). É mestre em Investigação Artística pela Universidade de Amsterdam (UvA). Pratica e investiga as relações e potências que tomam forma de escrita, fotografia e desenho a partir de questões relacionadas a produção e apresentação dos espaços e lugares. Trabalha também como professora na Universidade do Estado de Santa Catarina no curso de graduação em Artes Visuais, onde ministra aulas de desenho e linguagem tridimensional.

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Michal Kirschbaum es brasileira, argentina e israelí. Es artista visual, investigadora y docente. Actualmente cursa doctorado en el programa de posgrado en Artes Visuales de la Universidad del Estado de Santa Catarina (UDESC) y tiene una maestría en Investigación Artística por la Universidad de Amsterdam (UvA). Practica e investiga las relaciones y potencias que toman forma de escrita, fotografía y dibujo a partir de cuestiones relacionadas a la producción y presentación de los espacios y lugares. Trabaja también como profesora en la Universidad del Estado de Santa Catarina, en el curso de Artes Visuales donde da clases de grado de dibujo y lenguaje tridimensional.

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Michal Kirschbaum is Brazilian, Argentinian and Israeli. She is a visual artist, researcher and teacher. She is currently a PhD student of the graduate program in Visual Arts at the University of the State of Santa Catarina (UDESC). In 2013 she had obtained a master’s degree in Artistic Research from the University of Amsterdam (UvA). In her practice, she investigates the relations and potencies that take form in writing, photography and drawing from questions related to de production and presentation of spaces and places. She also works as a teacher in the University of the State of Santa Catarina in the undergraduate course of Visual Arts where she gives lessons of drawing and tridimensional perception.

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Obras de arte de Michal Kirshbaum/Obras de arte de Michal Kirshbaum/Artworks by Michal Kirschbaum

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Metro, fotografía sobre madera, Photograph on wood, 4.5 cm. x 10.25 cm, 2009

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metro, fotografía sobre madera/photography on wood, 10 cm. x 10.45 cm, 2009

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camas/beds, fotografía, 65 cm v 95 cm, 2013

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Threshold, Play music performance — vinyl cut from digital photomontage

2013_threshold_play_sound_piece_4.16min

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Sin título. grafito sobre papel, 30 cm. x 21 cm., 2017

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Sin título, nankin sobre papel, 30 cm. x 66 cm, 2016

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Sin título, nankin sobre paper, 21 cm. x 28 cm. 2016

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Sin título, grafito y collage sobre papel, 30 cm. x 20 cm. 2017

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Inner landscape, digital photomontage, 80 cm. x 80 cm., 2013 

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camino, fotomontaje digital, 29 cm., x 42 cm. 2013

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texto y paisaje, nankin sobre papel, 30 cm. x 21

Gyula Kosice (1927-2016) Escultor y visionario judío-eslovaco-argentino/Slovak Argentine Jewish Sculptor and Visionary

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Gyula Kosice

Gyula Kosice

Gyula Kosice fue un escultor judío-eslovaco nacionalizado argentino (1927-2016). En la década de los cuarenta contribuyó a la difusión de las vanguardias europeas en Argentina. Integrado en el movimiento Madí y en el grupo Arte Concreto-Invención, que sólo aceptaba la abstracción, se vinculó posteriormente al arte cinético. Ha realizado lo que él ha denominado «estructuras hidrocinéticas», formas geométricas en plástico, combinando escultura y arquitectura, en las que se producen efectos lumínicos utilizando el agua y medios mecánicos. Destaca el Hidromural móvil (1967), en el edificio Embassy Center de Buenos Aires

Establecido en Buenos Aires desde los cuatro años de edad, estudió escultura y dibujo en las Academias Libres. Kosice, que había sido uno de los fundadores de la revista Arturo, creó en 1946 el movimiento de arte Madí, palabra inventada por él mismo. Este movimiento constituyó la primera tendencia de origen genuinamente argentino. Si bien tuvo vinculaciones con las investigaciones formales del arte concreto europeo, el Madí aportó un carácter original, que propició una apertura a experiencias plásticas inéditas.

Las obras expuestas en la primera exposición colectiva de arte Madí, que tuvo lugar en 1946, fueron trabajos realizados con materiales poco convencionales, como vidrio, madera y metal, y de formas inusitadas, como cuadros de marcos irregulares y módulos móviles, entre otras. Lo insólito de estas propuestas provocó un intenso debate en el medio artístico argentino, con adhesiones entusiastas y no menos vehementes impugnaciones. Además de Gyula Kosice, integraron el movimiento de arte Madí, entre otros, Carmelo Arden Quin, Rhod Rothfus, Martín Blaszko, Juan Bay y Salvador Presta.

Kosice fue Artista en constante renovación y teórico que ha analizado en profundidad los problemas estéticos del arte contemporáneo, en su producción artística dentro de los lineamientos formales de la estética Madí presentó pinturas articuladas (planos irregulares pintados y unidos entre sí) y esculturas realizadas con materiales industriales (maderas, metales, yeso, plexiglás, hilos), algo inusual por entonces. En su evolución posterior, siempre innovador, se vinculó al arte cinético, creando esculturas móviles en que el agua y los efectos lumínicos desempeñan un destacado papel.

Adaptada de “Biografías y Vidas”: https://www.biografiasyvidas.com/biografia/k/kosice.htm

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Gyula Kosice

Gyula Kosice was a Jewish-Slovak nationalized Argentine sculptor (1927-2016). In the 1940s he contributed to the diffusion of the European avant-gardes in Argentina. Integrated into the Madí movement and the Arte Concreto-Invención group, which only accepted abstraction, it was subsequently linked to kinetic art. He has done what he has called “hydrokinetic structures”, geometric shapes in plastic, combining sculpture and architecture, in which light effects are produced using water and mechanical means. Highlights the Mobile Hydromural (1967), in the Embassy Center building in Buenos Aires.

Established in Buenos Aires since he was four years old, he studied sculpture and drawing at the Free Academies. Kosice, who had been one of the founders of Arturo magazine, created the Madí art movement in 1946, a word invented by himself. This movement was the first trend of genuinely Argentine origin. Although it had links with the formal investigations of European concrete art, the Madí brought an original character, which led to an opening to unpublished plastic experiences.

The works exhibited in the first collective exhibition of Madí art, which took place in 1946, were made with unconventional materials, such as glass, wood and metal, and unusual shapes, such as frames of irregular frames and mobile modules, among others. The unusualness of these proposals provoked an intense debate in the Argentine artistic milieu, with enthusiastic adhesions and no less vehement impugnations. In addition to Gyula Kosice, they integrated the Madí art movement, among others, Carmelo Arden Quin, Rhod Rothfus, Martín Blaszko, Juan Bay and Salvador Presta.

Kosice was an artist in constant renovation and a theoretician who has analyzed in depth the aesthetic problems of contemporary art, in his artistic production within the formal guidelines of aesthetics Madí presented articulated paintings (irregular planes painted and linked together) and sculptures made with materials industrial (wood, metals, plaster, plexiglass, threads), something unusual at that time. In its later evolution, always innovative, it was linked to kinetic art, creating mobile sculptures in which water and light effects play an outstanding role.

Adapted from: “Biografías y Vidas”: https://www.biografiasyvidas.com/biografia/k/kosice.htm

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These YouTubes are in Spanish, but there is little dialogue and the images speak for themselves.

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Yente {Eugenia Crenovich} (1905-1990) — Artista plástica judío-argentina/Argentine Jewish Artist–La primera artista abstracta femenina en América Latina/The First Female Abstract Artist in Latin America

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Yente

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Yente es el seudónimo artístico de Eugenia Crenovich, quien nace en Buenos Aires en 1905 y falleció allí 1990. Es de una familia judía originaria de Ucrania. Pintora, ilustradora y ensayista, estudia Filosofía en la Universidad de Buenos Aires, de donde egresa en 1932. Realiza prácticas artísticas en el taller de Vicente Puig en Buenos Aires y en la Escuela de Bellas Artes de la Universidad de Santiago de Chile. Allí asiste, entre 1933 y 1935, al taller de pintura y composición de Hernán Gazmuri, estudios que continúa en el taller libre, abierto por el pintor chileno, luego de su forzada desvinculación de la enseñanza oficial. En 1935 se relaciona con Juan Del Prete, y desde 1937 –sin desdeñar la figuración que, en forma paralela, cultiva a lo largo de toda su vida– participa en los inicios de la abstracción en la Argentina, y se constituye así en la primera artista mujer de nuestro país que adhiere a esta corriente. Con esta modalidad, en 1945 comienza a hacer relieves y objetos constructivos en celotex, un material blando que le permite tallar sin dificultad. De 1957 a 1958 realiza tapices abstractos con lanas e hilos de colores combinados con pintura. A partir de 1957 se vuelca hacia el “impresionismo abstracto”, una pintura no figurativa de conformación libre, resuelta con breves pinceladas empastadas que hacen vibrar la superficie del cuadro. Recurre al collage desde los años 40 con el propósito de introducir acentos texturales a su pintura –sobre todo en sus libros ilustrados– y, a partir de los años 60 lo utiliza en forma decidida, aprovechando las calidades expresivas y connotativas de los más diversos materiales encontrados, muy particularmente, en su entorno familiar. Entre 1938 y 1984 confecciona más de veinte libros ilustrados –todos inéditos–, desarrollados sobre narraciones preexistentes o propias, algunas autobiográficas. En estos trabajos, de manera ocasional, frases breves a modo de índice, o títulos, estructuran historias que se despliegan básicamente por medio de imágenes. Su obra, plena de sugerencias, atraviesa diversas fases que la vinculan tanto al post-cubismo y al constructivismo geométrico como a la abstracción libre. Más tarde practica una gestualidad propia del informalismo, en la que emplea los gruesos empastes de una materia densa y expresiva pero –contradiciendo las características del movimiento– sus colores son brillantes, matizados con tonalidades sutiles y finas transparencias. La figuración está en el origen de su producción y la mantiene a lo largo del tiempo, y así conserva siempre una inclinación por el dibujo de trazo preciso y acabado delicado. Exhibe los recursos de un lenguaje elaborado y probado en técnicas como el dibujo, la pintura, los relieves y objetos, el collage y el tapiz.
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Yente is the artistic pseudonym of Eugenia Crenovich, who was born in Buenos Aires in 1905 and died there in 1990. He is from a Jewish family originally from Ukraine. Painter, illustrator and essayist, she studied Philosophy at the University of Buenos Aires, where she graduated in 1932. She performed artistic practices at the Vicente Puig workshop in Buenos Aires and at the School of Fine Arts of the University of Santiago de Chile. There he attends, between 1933 and 1935, the painting and composition workshop of Hernán Gazmuri, studies that continue in the free workshop, opened by the Chilean painter, after his forced disengagement from official education. In 1935, he is married to Juan Del Prete, and since 1937 -without disdaining the figuration that, in parallel, she cultivates throughout his life- she participates in the beginnings of abstraction in Argentina, and is thus constituted in the first artist woman of our country that adheres to this current. With this method, in 1945 she began to make reliefs and constructive objects in celotex, a soft material that allows him to carve without difficulty. From 1957 to 1958, he made abstract tapestries with wool and colored threads combined with paint. From 1957 onwards she turned to “abstract impressionism”, a non-figurative painting of free form, resolved with brief pastels that make the surface of the painting vibrate. she has been using collage since the 1940s with the purpose of introducing textural accents to his painting -especially in his illustrated books- and, since the 60s, she uses it in a determined way, taking advantage of the expressive and connotative qualities of the most diverse materials found, very particularly, in their family environment. Between 1938 and 1984 she made more than twenty illustrated books-all unpublished-developed on preexisting or own narratives, some autobiographical ones. In these works, occasionally, short phrases serve as an index, or titles, structure stories that are basically displayed through images. Her work, full of suggestions, goes through different phases that link it to post-cubism and geometric constructivism as well as to free abstraction. Later she practices gestures characteristic of Informalism, in which she uses the thick fillings of a dense and expressive material, but -contradicting the characteristics of movement- her colors are bright, tinged with subtle tonalities and fine transparencies. The figuration is at the origin of its production and maintains it over time, and thus always retains a penchant for precise drawing and delicate finishing. It displays the resources of an elaborate and proven language in techniques such as drawing, painting, reliefs and objects, collage and tapestry.
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Obras de Yente/Works by Yente

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José en Egipto/Joseph in Israel —                                   

Libro de artista/Artist Book

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via Yente (Eugenia Crenovich)

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Su arte abstracto/Her Abstract Art

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Curriculum Vitae de Yente

Realiza su primera muestra individual en Amigos del Arte en 1935, donde presenta veinticuatro dibujos figurativos ejecutados a partir de 1932. En 1945 y 1946 expone pinturas y relieves abstractos en Galería Müller. En 1950 exhibe originales para libros ilustrados en Galería Viau. Y nuevamente en Müller presenta, en 1952, una retrospectiva de obras abstractas y figurativas, realizadas desde 1937. En Galería Van Riel expone su obra no figurativa en 1954, 1956 y 1957 y, en este último año, libros ilustrados en Galería Alcora. En 1958 realiza una retrospectiva de obras abstractas en la Asociación Estímulo de Bellas Artes, que comprende ochenta piezas, entre pinturas, objetos y relieves. También en 1958 exhibe sus tapices en Galería Heroica. En 1960 muestra sus obras del “impresionismo abstracto” en Galería Yumar y, durante 1964, collages con fósforos quemados y papeles de envases –realizados en Italia– en Galería Witcomb. Al año siguiente presenta en Galería Van Riel, Ciudades de Italia, un conjunto de collages. Allí también exhibe, en 1966, la serie del Antiguo Testamento, realizada con la misma técnica. En 1967, otra vez en Van Riel, presenta El jardín del Edén, obras resueltas con papeles alquitranados; en 1968 sus fotomontajes Turistas en Italia; y en 1969 óleos figurativos. Ocupa de nuevo ese espacio en 1971, con una retrospectiva de setenta obras no figurativas, producidas entre 1937 y 1963. Dos años después hace una muestra personal de collages en Galleria Schneider de Roma. Vuelve a exponer en la Galería Van Riel en 1976, lugar en el que exhibe las series Con corona de martirio Sin promesa de Paraíso, pinturas y collages que aluden a la violencia, en consonancia con la convulsa época que la Argentina transita durante la dictadura militar. En 1979, en Galería Sarmiento, organiza una muestra antológica con obras no figurativas de 1937 a 1962 y, allí mismo, expone su serie de pinturas y collages Tiempos sombríos, en 1980.
Realiza importantes muestras colectivas dentro y fuera del país; entre las que se destacan: Arte Nuevo, Salón Kraft, 1947; Nuevas realidades, Galería Van Riel, 1948; el 2° Salón argentino de arte no figurativo, Galería Van Riel, 1949; 50 Años de pintura argentina, Museo Nacional de Bellas Artes, 1950; Salones de Arte Sacro Mediator Dei de 1954 a 1957 y en 1959; La figura en la pintura argentina contemporánea, Museo Eduardo Sívori y Arte Abstracto. Del Prete, Yente, Paparella, Testa, Galería Lerner, ambas en 1957. Representa al país en la IV Bienal Internacional de San Pablo, Brasil, 1957, y en L’Art Visuel en Argentine organizada para la Exposition Internationale et Universelle de Bruxelles, Bélgica, 1958. Con la Agrupación de Arte No Figurativo –a.n.f., luego conocida como ANFA, de la que es miembro fundador– expone en Buenos Aires, Paraná (Entre Ríos), Rosario (Santa Fe), La Paz (Bolivia) desde 1958 hasta 1964, y en The Riverside Museum de Nueva York en 1962. En 1960 participa en 150 años de arte argentino, Museo Nacional de Bellas Artes y en la Primera Exposición Internacional de Arte Moderno, Museo de Arte Moderno de Buenos Aires. En 1961 lo hace en Pintura argentina que se presenta en Lima y Río de Janeiro y en Arte sagrado de la Argentina, Palazzo Ruspoli, Roma. En 1980 interviene en 50 años de pintura argentina 1930/1980, Museo Municipal de Bellas Artes Juan B. Castagnino, Rosario, y en 1984 en Maestros argentinos. Homenaje al libro 22 pintores de Julio Payró, realizada en el Museo Sívori de Buenos Aires. Recibe primeros premios en los Salones de Viña del Mar en 1934, 1935 y 1936, y en el del Centenario de Valparaíso en 1937, en Chile; y en el Salón de Acuarelistas de Buenos Aires entre 1939 y 1950. Asimismo obtiene el Primer Premio Ilustración del Salón de La Plata en 1944, y con su obra Abstracción, el Premio Adquisición en el Primer Salón Anual de Pintura del ACA (Automóvil Club Argentino) en 1958. Ese mismo año logra la Medalla de Bronce en la Exposición Internacional de Bruselas. Complementando la praxis artística desarrolla una labor teórica en torno a la figura de Del Prete, sobre quien publica textos aún hoy fundamentales como “Cronología en la trayectoria artística de Del Prete” en Pintura montada; Primicia (catálogo exposición), Buenos Aires, Galería Van Riel, junio de 1962; y “Lo realizado y lo destruido en la obra de Juan Del Prete” en Obras destruidas de Del Prete, editado en Buenos Aires por el artista en 1971. En 1979, una de sus obras –Composición con relieve, 1945– es elegida como imagen de tapa del libro Arte de América. 25 años de crítica de Rafael Squirru, publicado por Editorial Gaglianone, donde, a la vez, el crítico analiza el trabajo de la artista, del que se ocupa también en Arte argentino hoy, de la misma casa editora publicado en 1983. En las últimas décadas, su producción ha sido incluida en exposiciones como: Del constructivismo a la geometría sensible, Harrod’s en el Arte, 1992; I Exposición de Artes Visuales DAIA, Casa de la Cultura de la Ciudad de Buenos Aires, 1996; La tradición constructiva en el MAMBA, Museo de Arte Moderno de Buenos Aires, 1998; Muestra de arte y subasta por la reconstrucción de AMIA (Asociación Mutual Israelita Argentina), Alvear Palace Hotel, 1999; Siglo XX argentino. Arte y Cultura, Centro Cultural Recoleta, Buenos Aires, 1999/2000; Judaica Argentina, Centro Cultural Borges, 2001; Arte Astratta Argentina, Galleria d’Arte Moderna e Contemporanea (GAMeC) de Bérgamo, Italia, 2002, y en la presentación de dicha muestra en la Fundación Proa en 2003. También ha estado representada en Artistas argentinos con temática judía, exposición organizada por la AMIA en el Centro Cultural Victoria Ocampo, Mar del Plata, 2006; en la Primera Bienal de Arte Geométrico, en el Museo de Arte Construido, Buenos Aires, 2007; en la muestra histórica Aquellos años 40, realizada en Expotrastiendas 2007; y en la feria internacional Arte BA ediciones 2009 a 2013. En 1995 la Galería Vermeer organiza la muestra Yente y Juan, dedicada a su producción y a la de Del Prete, y en 2005, en homenaje a los cien años de su nacimiento, la AMIA organiza Centenario Yente (1905-2005) en la que se exponen veintinueve obras realizadas entre 1937 y 1971. Revalorizando en particular su producción abstracta, el Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires (Malba), presenta una exposición con 72 de sus obras, entre pinturas, relieves, esculturas, dibujos y tapices, curada por Adriana Lauria. La muestra titulada Yente/Prati, que incluía también una sección dedicada a la artista concreta Lidy Prati, se extendió desde agosto hasta octubre de 2009 y estuvo acompañada por un completo catálogo-libro (200 páginas, edición español-inglés, reproducciones de las piezas exhibidas). En 2009 y 2010 participa en la 2ª y 3ª Muestra y subasta AMIA de Arte Contemporáneo Argentino, ambas en la sede de la AMIA en Buenos Aires. En 2010 su obra se incluye, junto a más de 80 artistas, en Realidad y Utopía. Argentiniens künstlerischer Weg in die Gegenwart realizada en la Akademie der Künste de Berlín, exhibición que se presenta al año siguiente en el Museo Nacional de San Carlos de México D.F. En 2010 su trabajo interviene en El imaginario de Ignacio Pirovano, muestra patrimonial de reapertura del Museo de Arte Moderno de Buenos Aires, en Libros de artista de Argentina, Stand de Argentina en la Frankfurter Buchmesse (Feria del Libro de Frankfurt), en Grandes autores. Grandes ilustradores, Museo de Artes Plásticas Eduardo Sívori, Buenos Aires, y en Imágenes e historias. Fotografía documental y artes visuales de la Argentina 1850-2010, en el Centro Cultural Recoleta de Buenos Aires, efectuada en 2011.Integra en 2011 Homenaje a los años 40, muestra histórica de la feria de galerías de Buenos Aires Expotrastiendas. En ese año su trabajo aparece también en Abstracciones / un recorte de la colección Castagnino + Macro realizada en el Museo Castagnino de Rosario. Entre 2011 y 2012 su obra se incluye en Jóvenes y modernos de los 50 del Museo de Arte Moderno de Buenos Aires. Entre septiembre y octubre de 2013 la galería Alejandro Faggioni – Estudio de Arte de Buenos Aires organiza una muestra de 26 trabajos, tanto abstractos como figurativos, elaborados entre 1937 y 1982. Un conjunto significativo de sus trabajos forma parte de la colección del Museo de Arte Moderno de Buenos Aires, así como integra los acervos del Museo Eduardo Sívori, del Fondo Nacional de las Artes, del Museo Provincial de Bellas Artes de Santa Fe, Rosa Galisteo de Rodríguez, del Museo Municipal de Bellas Artes de Rosario Juan B. Castagnino, del Museo de Israel en Jerusalén, de la Casa Argentina en dicha ciudad y de la AMIA. Además forma parte de colecciones particulares de la Argentina, Chile, Italia, Alemania, Israel y los Estados Unidos.

Curriculum Vitae of Yente

Yente made her first individual exhibition at Amigos del Arte in 1935, where she presented twenty-four figurative drawings executed from 1932. In 1945 and 1946, she exhibited paintings and abstract reliefs in the Müller Gallery. In 1950, she exhibited originals for illustrated books in Viau Gallery. And again in Müller, in 1952, a retrospective of abstract and figurative works, made since 1937. Gallery Van Riel exhibits her non-figurative work in 1954, 1956 and 1957 and illustrated books in Alcora Gallery. In 1958, she made a retrospective of abstract works in the Association Estímulo de Bellas Artes, which comprises eighty pieces, including paintings, objects and reliefs. Also in 1958 she exhibited his tapestries at Galería Heroica. In 1960, she shows his works of “abstract impressionism” in the Yumar Gallery and, during 1964, collages with burnt matches and packaging papers -made in Italy- in the Witcomb Gallery. The following year he presents a set of collage at Galería Van Riel, “Cities of Italy.” She also exhibits, in 1966, the series of the “Old Testament,.” In 1967, again in Van Riel, she presents “El jardín del Edén,” works resolved with tarred papers; in 1968 her photomontages “Tourists in Italy” and in 1969, figurative oils. She used this space again in 1971, with a retrospective of seventy non-figurative works, produced between 1937 and 1963. Two years later, she made a personal exhibition of collage at Galleria Schneider in Rome. She exhibited again at the Van Riel Gallery in 1976, with the series “Con corona de martirio” and “Sin promesa de Paraíso,” paintings and collages that allude to violence, in keeping with the turbulent period that Argentina is going through during the dictatorship military. In 1979, in Galería Sarmiento, she organized an anthological exhibition with non-figurative works from 1937 to 1962 and, right there, she exhibited his series of paintings and collages, “Tiempos sombríos,” in 1980. She made important collective exhibitions inside and outside the country; among which stand out: Arte Nuevo, Salón Kraft, 1947; New realities, Van Riel Gallery, 1948; the 2nd Argentine Salon of non-figurative art, Van Riel Gallery, 1949; “50 Years of Argentine painting,” National Museum of Fine Arts, 1950; Salons of Sacred Art Mediator Dei from 1954 to 1957 and in 1959; “The figure in contemporary Argentine painting,” Eduardo Sívori Museum and “Abstract Art. Del Prete, Yente, Paparella, Testa, Lerner Gallery”, both in 1957. She represents the country in the IV International Biennial of Sao Paulo, Brazil, 1957, and in L’Art Visuel in Argentina organized for the Exposition Internationale et Universelle de Bruxelles, Belgium, 1958. With the Agrupación de Arte No Figurativo -anf, later known as ANFA, of which she is a founding member- she exhibits in Buenos Aires, Paraná (Entre Ríos), Rosario (Santa Fe), La Paz (Bolivia) since 1958 until 1964, and at The Riverside Museum in New York in 1962. In 1960, she participated in “150 years of Argentine art,” the National Museum of Fine Arts and the First International Exhibition of Modern Art, Museum of Modern Art of Buenos Aires. In 1961,  “Argentine Painting” is presented in Lima and Rio de Janeiro and in “Sacred Art of Argentina,” Palazzo Ruspoli, Rome. In 1980, she participated in “50 years of Argentine Painting in 1930/1980,” Juan B. Castagnino Municipal Museum of Fine Arts, Rosario, and in 1984 in Argentine Masters. Tribute to the book 22 painters of Julio Payró, made in the Sívori Museum of Buenos Aires. He received first prizes in the Salons of Viña del Mar in 1934, 1935 and 1936, and in the Centennial of Valparaíso in 1937, in Chile; and in the Watercolor Salon of Buenos Aires between 1939 and 1950. He also obtained the First Prize Illustration of the Salón de La Plata in 1944, and with his work Abstraction, the Acquisition Award in the First Annual Salon of Painting of the ACA (Automóvil Club Argentino ) in 1958. That same year he achieved the Bronze Medal at the International Exhibition in Brussels. Complementing the artistic praxis develops a theoretical work around the figure of Del Prete, about who publishes texts still fundamental today as “Chronology in the artistic career of Del Prete” Cultural Victoria Ocampo, Mar del Plata, 2006; in the First Biennial of Geometric Art, in the Museum of Constructed Art, Buenos Aires, 2007; in the historical show “Those years 40,” and in “Expotrastiendas” 2007; and in the BA International art fair, 2009 to 2013. In 1995 the Vermeer Gallery organizes the show “Yente y Juan,” dedicated to its production and that of Del Prete, and in 2005, in tribute to the one hundred years of its birth, the AMIA organizes “Centenario Yente”(1905-2005) in which twenty-nine works made between 1937 and 1971 are exhibited. Revaluating in particular its abstract production, the Museum of Latin American Art of Buenos Aires (Malba), presented an exhibition with 72 of his works, including paintings, reliefs, sculptures, drawings and tapestries, curated by Adriana Lauria. The sample titled “Yente / Prati, “which also included a section dedicated to the concrete artist Lidy Prati, (2009) and was accompanied by a complete catalog-book  Spanish-English edition, with reproductions of the pieces exhibited). In 2009 and 2010 he participated in the 2nd and 3rd AMIA Shows and Auction of Argentine Contemporary Art, both at the AMIA headquarters in Buenos Aires. In 2010, her work is included, along with more than 80 artists, in “Reality and Utopia. Argentiniens künstlerischer Weg in die Gegenwart” held at the Akademie der Künste in Berlin, an exhibition that is presented the following year at the National Museum of San Carlos de Mexico D.F. In 2010, her work intervenes in “El imaginario de Ignacio Pirovano, patrimonial sample of reopening of the Museum of Modern Art of Buenos Aires,” in “Artist Books” of Argentina, Stand of Argentina in the Frankfurter Buchmesse (Book Fair of Frankfurt), in “Great authors . Great illustrators,” Museum of Plastic Arts Eduardo Sívori, Buenos Aires, and in “Images and Stories. Documentary photography and Visual Arts of Argentina 1850-2010,” at the Recoleta Cultural Center in Buenos Aires, in 2011.Integra in 2011 “Tribute to the 40s, historical show of the galleries fair of Buenos Aires ‘Expotrastiendas.'” In that year her work also appears in “Abstractions / a cut from the Castagnino + Macro collection” at the Castagnino Museum in Rosario. Between 2011 and 2012, her work is included in “Young and Modern of the 50s” of the Museum of Modern Art of Buenos Aires. In 2013, the gallery Alejandro Faggioni – Art Studio of Buenos Aires organizes a sample of 26 works, both abstract and figurative, made between 1937 and 1982. A significant set of her works is part of the collection of the Art Museum Modern Buenos Aires, as well as integrating the collections of the Eduardo Sívori Museum, the National Fund of Arts, the Provincial Museum of Fine Arts of Santa Fe, Rosa Galisteo de Rodríguez, the Municipal Museum of Fine Arts of Rosario Juan B. Castagnino, of the Museum of Israel in Jerusalem, of the Casa Argentina in that city and of the AMIA. It is also part of private collections of Argentina, Chile, Italy, Germany, Israel and the United States.

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Homenaje a Erica Blumgrund (1924-2016) — Sobreviviente de la Shoá y poeta y artista plástica judío-checo-argentina/Holocaust survivor and Czech-Argentine-Jewish Poet and Artist

 

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Erika Blumgrund

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Erika Blumbrung, nacida en 1924 en Brataslava. Sobreviviente de Therisienstadt, vivió desde 1958 en Argentina. Durante muchos años fue la editora del Seminario israelita (al principio, Judische Wochenshau). Además de su trabajo periodístico, Blumbrung, que había crecido en cuatro idiomas, escribió poemas y textos en prosa traducidos del español al alemán. Sus obras incluyen Acordes (1993) y La corriente de la vida hacia su flocamiento incontenible (1995), el volumen de poesía Eso fue todo (2009) traducido al español por Jorge Hacker, y ei libro Por los Peldaños de la vida; diarios íntimos de una adolescente judía esclava: 1938-1941 (2010). También fue pintora destacada de óleos.

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Erika Blumbrung, born 1924 in Brataslava. Survivor of Therisienstadt, live since 1958 in Argentina. For many years she was the editor of the Seminario israelita (at first, Judische Wochenshau). In addition to her journalistic work, Blumbrund, who had grown up in four languages, wrote poems and prose texts translated from Spanish into German. Her works include Acordes (1993) and La corriente de la vida hacia su desembocadura incontenible fluye (1995), the volume of poetry Eso fue todo (2009) translated into Spanish by Jorge Hacker, and the book Por los peldaños de la vida; diarios íntimos de una adolescente judía esclava: 1938-1941 (2010). She was also an outstanding painter of oil paintings.

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Una descripción Erika Blumgrund por un conocido: Tiene más de 80 años, habla seis idiomas, todavía da clases de gimnasia y está estudiando italiano para traducir su propia obra al italiano. Hay un poema en donde ella dice que le agradece a la vida haber podido sobrevivir, reencontrarse con su novio de los 14 años, haberse casado, sus hijos, sus nietos, su profesión y todo, pero que no duerme, ella no duerme porque le resuena permanentemente en la cabeza el ruido del tren de la muerte”

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A description Erika Blumgrund by an acquaintance: “She is over 80 years old, speaks six languages, still teaches gymnastics and is studying Italian to translate her own work into Italian. There is a poem where she says she thanks her. to life have been able to survive, reunite with her boyfriend of 14 years, have married, their children, their grandchildren, their profession and everything, but that does not sleep, she does not sleep because it resounds permanently in the head the noise of the train of death”

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Obras de Erica Blumgrund

Poesía/Poetry 

Estigma

Creí que la sangre ya no brotar

de las viejas herida.

Pensé que la primavera

haría olvidar los inviernos,

que los trenes

no traería el recuerdo de otros trenes. . .

Esperé que los cerros,

el mar, el cielo sin fronteras,

borrarían la memoria de alambres de púa.

Pero los fantasmas vuelven

en silenciosas noches sin fin.

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Stygma 

I believed that blood would no longer spurt

from the old wounds.

I thought that Spring

would make forgotten the Winters,

that the trains,

wouldn’t bring the memory of other trains. . .

I hoped that the hills,

the sea without boundaries,

would erase the memories of barbed wire.

But the ghosts return

in endless silent/quiet nights

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Contarás. . . !

Cuando ya no estemos

¿quién les contará a los niños de los niños

sobre los viejos tiempos?

Del río, a cuya orilla íbamos a jugar,

del prado que en la primavera

estallaba de amarillo-diente de león,

de las campanillas de los Alpes y de las violetas

al borde del bosque

y de la alondra que nos dedicaba su mejor canción,

mientras marchábamos por valles y montañas.

El cielo despejado aún era azul, hasta un día

ese universo hermoso saltó en mil pedazos. . .

y despertamos al sufrimiento y al horror;

sin comprender recordábamos la felicidad perdida.

Cuando ya no estemos

¿Contará de nosotros los niños de los niños?

¿O sólo se hallará lo nuestro en crónicas del tiempo?

Datos escuetos, desprovistos de emoción,

registrados fríamente:

que en el siglo veinte, en la flor de la civilización,

fueron borrados del mapa seis millones de judíos, salvajemente. . .

 

Cuando empalidezca nuestro recuerdo al paso del tiempo

quizá te alcancen estas líneas.

Tu corazón se pondría pesado

y recordarás un antiguo

relato que algún antepasado te contó. . .

Así perdura el recuerdo de nosotros.

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And you will tell…!

When we are no longer,

who will tell the children of the children

about the old times?

Of the river, by whose banks we went to play,

of the meadow in Spring

exploding with dandy-lions,

of the little bells from the Alps or the violets

at the edge of the forest

and of the lark that dedicated its best song to us,

while we marched through valleys and mountains].

The clear sky was still blue, until one day

that beautiful universe broke up in a thousand pieces. . .

and we awakened to suffering and to horror,

without understanding, we remember the lost happiness.

When we are no longer,

who will tell of us to the children of the children?

Or will ours be found only in the chronicles of the time?

Concise data, Devoid of emotion,

registered coldly:

In the twentieth century, in the heart of civilization,

were erased from the map, six million Jews, savagely. . .

 

When our memory fades during the passage of time

Perhaps these lines will reach you.

Your heart will become heavy

and you will remember an old

tale that some ancestor told you. . .

And so ill endures the memory of us.

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Nosotros, los “Sobrevivientes”

¡De repente nos encontramos en el proscenio!

Iluminados, examinados, interrogados, por

sentimientos,

por el modo de transmitirlo a nuestros hijos,

por los comentarios de ellos. . .

Diferenciados de la gente “normal”

Nos sentimos clasificados en una categoría especial.

 

Nosotros, “los sobrevivientes”

Hemos despertado el interés de psicólogos,

Historiadores, escritores y cineastas.

En un suerte de “pánico de hora de cierre”

-claro, “cada vez somos menos” –        1

nos vimos urgentemente “descubiertos”,

y debemos – asî nos dicen –

cumplir con el compromiso

de perpetuar lo vivido y revelar

nuestra alma a la posteridad.

 

Asi desenterramos los recuerdos

Del último cajón. . .

Reabrimos las viejas heridas

(¿acaso alguna vez cicatrizarán?)

Porque nada debe perderse,

ni siquiera las lágrimas.

Valientemente nos ubicamos en la luz del proscenio.

 

Nosotros, los “sobrevivientes”.

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We. The “Survivors”

Suddenly, we find ourselves on the proscenium!

Illuminated, examined, interrogated, for

feelings,

for the manner to transmit them to our children,

For their commentaries. . .

Differentiated from “normal people.”

We feel classified in another special category.

 

We have awakened the interest of the psychologists,

Historians, writers and filmmakers.

In a rash of “panic of the closing hour:

Of course, “everyday are fewer”

We see ourselves “discovered.”

And we ought to “so they say to us”

Fulfil the obligation

to perpetuate that which was lived and to reveal

our souls to posterity.

 

So, we exhume our memories

From the last box. . .

We reopen the old world

(perhaps at some time they scarred over ?)

Because nothing should be lost,

not even the tears.

Valiantly, we place ourselves in the proscenium.

 

We, the “Survivors”

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Óleos /Oils

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Gego [Gertrude Goldschmidt] (1912-1994) — Artista plástico judío–alemán-venezolana/ German-Venezuelan-Jewish Artist — “Objetos y líneas” “Objects and Lines”

Gego
Gego

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“El arte está firmemente arraigado en los valores espirituales. El creador está involucrado en un proceso continuo de descubrimiento, no de sí mismo, sino de las raíces del universo que ha podido descubrir dentro de sí mismo”. –  Gego

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GEGO (Gertrude Luise Goldschmidt) nació en Hamburgo, Alemania, en 1912 y murió en Caracas in 1994. Como jovencita, Gego trabajó como dibujante en varias empresas de arquitectura, talleres de pintura y carpintería en su natal Alemania, mientras completaba una licenciatura. en arquitectura de la Universidad de Stuttgart en 1938. Para escapar del creciente antisemitismo en su país de origen, emigró a Venezuela en 1939, donde trabajó como arquitecta independiente y diseñadora industrial. En 1953, se mudó a la ciudad costera de Tarma y comenzó su trabajo artístico, produciendo dibujos, acuarelas, monotipos y xilografías; La mayoría de estas primeras obras fueron figurativas y expresionistas. Regresó a Caracas en 1956 y allí, utilizando la abstracción pura como punto de partida, comenzó a abordar los problemas del espacio escultórico en su trabajo; En 1957, junto a los artistas Carlos Cruz-Diez, Alejandro Otero y Jesús-Rafael Soto, Gego participó en la exposición Arte abstracto en Venezuela. En 1959, el Museo de Arte Moderno de Nueva York había comenzado a adquirir su obra; se mudó a Nueva York en 1960 y permaneció en los Estados Unidos hasta 1967. Gego enseñó en la escuela de arquitectura de la Universidad Central de Venezuela y en la Escuela de Artes Plásticas Cristóbal Rojas. Su primera exposición individual se llevó a cabo en el Museo de Bellas Artes de Caracas en 1961; En 1962, instaló una escultura en la sede del Banco Industrial de Venezuela. Ayudó a fundar el Instituto de Diseño Neumann en Caracas, donde enseñó desde 1964 hasta 1977. Desde la década de 1970 hasta la década de 1980 completó una importante escultura arquitectónica integrada para edificios públicos, residencias y centros comerciales. En 1972, por ejemplo, construyó Cuerdas (cuerdas), una instalación de esculturas que consiste en tiras de nylon y acero inoxidable suspendidas, para el complejo arquitectónico Parque Central en Caracas. Gego finalmente comenzó a utilizar procedimientos aleatorios y materiales “pobres”, como desechos industriales y metales.

Su serie de esculturas suspendida Dibujos sin papel y su serie Bichos (Criaturas) también datan de la década de 1980, al igual que su Reticulárea ambiental.

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“Art is firmly rooted in spiritual values. The creator is involved in a continuous process of discovery—not of himself, but of the roots of the universe which he has been able to discover within himself.”  – Gego

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GEGO (Gertrude Luise Goldschmidt) was born in Hamburg, Germany in 1912 and died inimages Caracas in 1994, As a young woman, Gego worked as a draftsman in several architecture firms, painting workshops, and carpentry shops in her native Germany while completing a degree in architecture from the University of Stuttgart in 1938. To escape the increasing anti-Semitism in her home country, she emigrated to Venezuela in 1939, where she worked as a freelance architect and industrial designer. In 1953, she moved to the coastal town of Tarma and began her artistic work, producing drawings, watercolors, monotypes and xylographs; the majority of these early works were figurative and expressionist. She returned to Caracas in 1956, and there, using pure abstraction as her starting point, she began to address problems of sculptural space in her work; in 1957, along with artists Carlos Cruz-Diez, Alejandro Otero, and Jesús-Rafael Soto, Gego participated in the exhibition Arte abstracto en Venezuela. By 1959, the Museum of Modern Art in New York had begun to acquire her work; she moved to New York in 1960 and remained in the United States until 1967. Gego taught at the school of architecture of the Universidad Central de Venezuela and at the Escuela de Artes Plásticas Cristóbal Rojas. Her first individual show was held at the Museo de Bellas Artes in Caracas in 1961; in 1962, she installed a sculpture at the headquarters of the Banco Industrial de Venezuela. She helped found the Instituto de Diseño Neumann in Caracas where she taught from 1964 to 1977.  From the 1970s to the 1980s she completed important, architecturally integrated sculpture for public buildings, residences, and shopping malls. In 1972, for example, she constructed Cuerdas (Cords), a sculpture installation consisting of suspended nylon and stainless steel strips, for the Parque Central architectonic complex in Caracas. Gego eventually began to use random procedures and “poor” materials such as industrial scraps and metals. Her series of suspended sculptures Dibujos sin papel (Drawings without Paper) and her series Bichos (Creatures) also date from the 1980s, as does her Reticulárea ambiental. ________________________________________________________________Obras de Gego/Works by Gego

Obras de Gego/Works by Gego

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Horizontal Square Reticularia 71/10 1971 by Gego (Gertrud Goldschmidt) 1912-1994

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Las obras de Gego se encuentran en colecciones importantes, incluida la Colección Cisneros, Caracas, Venezuela; Colección Daros Latinamerica, Zúrich; Museo de Arte Contemporáneo de Caracas, Museo de Arte Contemporáneo Francisco Narváez, Porlamar, Venezuela; Museo de Arte Moderno Jesús Soto, Ciudad Bolívar; Museo de Bellas Artes, Caracas; Biblioteca Pública de Nueva York, Nueva York; Pratt Graphic Art Center, Nueva York; Museo de Bellas Artes, Houston (MFAH), el Museo de Arte Moderno (MoMA), Nueva York y la Universidad de Texas en Austin.Caracas en 1994.

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Gego’s works are found in major collections including Cisneros Collection, Caracas, Venezuela; Daros Latinamerica Collection, Zürich; Museo de Arte Contemporáneo de Caracas, Museo de Arte Contemporáneo Francisco Narváez, Porlamar, Venezuela; Museo de Arte Moderno Jesús Soto, Ciudad Bolívar; Museo de Bellas Artes, Caracas; New York Public Library, New York; Pratt Graphic Art Center, New York; The Museum of Fine Arts, Houston (MFAH); The Museum of Modern Art (MoMA), New York,  and The University of Texas at Austin.

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Frans Krajcberg– (1921-2017) — O artista plástico polonês-brasileiro-judaico/Polish-Brazilian-Jewish Artist — O escultor na defensa da natureza/Sculptor in Defense of Nature

 

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Frans Krajcberg

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Frans Krajcberg (Kozienice, Polônia, 1921 – Rio de Janeiro, 2017). Escultor, pintor, gravador e fotógrafo. Autor de obras que têm como principal característica a exploração de elementos da natureza, destaca-se por seu ativismo ecológico, que associa arte e defesa do meio ambiente. Nascido na Polônia, Krajcberg forma-se em engenharia e artes pela Universidade de Leningrado. Mais tarde, ao mudar-se para a Alemanha, ingressa na Academia de Belas Artes de Stuttgart, onde se torna aluno do pintor alemão Willi Baumeister (1889-1955). Sua carreira artística se inicia no Brasil, para onde migra em 1948, procurando reconstruir sua vida depois de perder toda a família em um campo de concentração durante a Segunda Guerra Mundial. Reside um curto período no Paraná (isolando-se na floresta para pintar). Muda-se para o Rio de Janeiro em 1956 e naturaliza-se brasileiro no ano seguinte. Ele retorna a Paris em 1958, onde permanece até 1964. De volta ao Brasil, em 1964, instala um ateliê em Cata Branca, Minas Gerais. A partir desse momento ocorre em sua obra a explosão no uso da cor e do próprio espaço. Começa a criar as “sombras recortadas”, nas quais associa cipós e raízes a madeiras recortadas. Em 1972, passa a residir em Nova Viçosa, no litoral sul da Bahia. Amplia o trabalho com escultura, iniciado em Minas Gerais. Intervém em troncos e raízes, entendendo-os como desenhos no espaço. Essas esculturas fixam-se firmemente no solo ou buscam libertar-se, direcionando-se para o alto. A partir de 1978, atua como ecologista, luta que assume caráter de denúncia em seus trabalhos: “Com minha obra, exprimo a consciência revoltada do planeta”. Krajcberg viaja constantemente para a Amazônia e Mato Grosso, e registra por meio da fotografia os desmatamentos e queimadas em imagens dramáticas. Dessas viagens, retorna com troncos e raízes calcinados, que utiliza em suas esculturas. Na década de 1980 realiza a série Africana, utilizando raízes, cipós e caules de palmeiras associados a pigmentos minerais.

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Frans Krajcberg (Kozienice, Poland, 1921 – Rio de Janeiro, 2017). Sculptor, painter, engraver and photographer. The main characteristic of his work is the exploration of of nature. He is known for his ecological activism, that associates art and defense of the environment. Born in Poland, Krajcberg graduated in engineering and arts from the University of Leningrad. Later, when moving to Germany, he entered the Academy of Fine Arts in Stuttgart, where he became pupil of the German painter Willi Baumeister (1889-1955). His artistic career began in Brazil, where he moved in 1948, seeking to rebuild his life after losing the entire family in a concentration camp during World War II.  He lived for a short period in Paraná (isolating in the forest to paint). He moved to Rio de Janeiro in 1956 and became a Brazilian citizen the following year. He  returned to Paris in 1958, where he remained until 1964. Back in Brazil, in 1964, he set up an atelier in Cata Branca, Minas Gerais. From that moment on, his work explores the use of color and space itself. He begins to create the “cut up shadows,” in which he associates vines and roots with cut wood. In 1972, he moved to Nova Viçosa, on the southern coast of Bahia. He expands his sculptural work, begun in Minas Gerais, with trunks and roots, understanding them as drawings in space. These sculptures hold firmly to the ground or seek to liberate themselves, heading upwards. From 1978 on, he acts as an ecologist, a struggle that he denounces: “With my work, I express the revolted conscience of the planet.” Krajcberg traveled constantly to the Amazon and Mato Grosso, and recorded  photographically dramatic images of deforestation by burning. From these trips, he returned with trunks and calcined roots, which he used in his sculptures. In the 1980s, he created the Africana series, using roots, lianas and stalks of palm trees associated with mineral pigment.

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Video — Frans Krajcberg

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Escultura/Sculpture

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Ana Wien — Artísta visual judío-costarricense /Costa Rican-Jewish Artist — “Renacer”/”To be Born Once More”

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Ana Wien

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Website

          Ana Wien nació  en Costa Rica. Estudió pintura y grabado en la Universidad de Costa Rica, Facultad de Bellas Artes. Comenzó su carrera artística en el año 1970 definiendo su estilo a través de los años, en los talleres de los afamados maestros de la plástica costarricense Manuel de la Cruz González Luján, Francisco Amighetti y Rafa Fernández. Ha realizado más de 70 exposiciones individuales y colectivas en Costa Rica, Estados Unidos y Europa; entre ellos, París, Barcelona y Copenhagen. Como integrante de la asociación de artistas franceses, “Artists and Life”, ha participado en tres muestras grupales con fines benéficos en Toit de l’Arche de la Défense y Espace Art et Liberté en Paris. Ha sido elegida para participar, en sus dos últimas versiones consecutivas, en la Bienal “Latin Views” que se lleva a cabo en la Galería Alexey von Schlippe de la Universidad de Connecticut, Estados Unidos. Sus obras se encuentran en diversas colecciones privadas en América y Europa.

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          Ana Wien was born in Costa Rica. She studied painting and engraving at the University of Costa Rica, Faculty of Fine Arts. She began her artistic career in 1970 defining her style over the years, in the workshops of the famous masters of Costa Rican plastic arts Manuel de la Cruz González Luján, Francisco Amighetti and Rafa Fernández. She has made more than 70 solo and group exhibitions in Costa Rica, the United States and Europe; among them, in Paris, Barcelona and Copenhagen. As a member of the association of French artists, “Artists and Life”, she has participated in three group shows for charity in Toit de l’Arche de la Défense and Espace Art et Liberté in Paris. She has been chosen to participate, in its last two consecutive events, in the Biennial “Latin Views” that takes place in the Alexey von Schlippe Gallery of the University of Connecticut,  Her works are in various private collections in America and Europe.

Ana Wien es creadora de figuras llenas de vibrantes colores y texturas innovadoras en las cuales lo fantástico y lo realista son combinados en su propio mundo imaginativo. Sus elementos dinámicos y sus formas libres son mezclados en una danza mágica de luz, color, intenso movimiento y energía positiva.

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Ana Wien is the creator of figures full of vibrant colors and innovative textures in which the fantastic and the realistic are combined in their own imaginative world. Her dynamic elements and free forms are mixed in a magical dance of light, color, intense movement and positive energy.

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Pinturas

jai 155x122cm
“Jai”/”Life” – 155 cm  x 122 cm

arca de noe, resinas y pigmentos sobre canvas, 80x100cm
“Arca de Noé”/”Noah’s Ark” – Resinas and pigmentos sobre canvas/Resins and pigments on canvas,” 80 cm x 120 cm

subiendo hacia el cielo 150x120cm resinas y pigmentos sobre canvas
“Subiendo hacia el cielo”/”Rising to the Sky” resinas y pigmentos sobre canvas, 150 x 120 cm

el cielo se encuentra con la tierra 100x150cm resinas y pigmentos sobre canvas
“El cielo se encuentra con la tierra,”/”The Sky Meets the Earth” – resinas y pigmentos sobre canvas, 100cm x 150 cm

explosion cosmica 100x150cm resinas y pigmentos sobre canvas
“Explosión cósmica”/”Cosmic Explosion” – Resinas y pigmentos sobre metal,                   73 cm. x 97 cm.

archipielago,resinas y pigmentos sobre canvas, 90x120cm
“Archipiélago”/”Archipelago” – resinas y pigmentos sobre canvas, 90x120cm.

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“Fantasía”/”Fantasy” – Resina y pigmentos sobre metal, 73 cm x 87 cm

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RENACER: Una Nueva Vida que Floreció en una Tierra de Esperanza/TO BE REBORN: A New Live that Flourished in a Land of Hope

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190 sobrevivientes de la Shoá encontraron un hogar nuevo en Costa Rica. En “Renacer”. Ana Wien les rinde homenaje: “En honor a todos ellos que en este país bendito encontramos refugio y la oportunidad de formar nuestras familias en un ambiente de paz y de libertad”.

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190 Holocaust survivors found a new home in Costa Rica. In “To Be Born Once More,” Ana Wien pays them homage: “In honor of all those who in this blessed country, we found refuge and the opportunity to form our families in an atmosphere of peace and liberty.”

Holocaust Survivors in Costa Rica

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Exhibición de “Renacer” en Sinagoga Shaarei Tzion, San José, Costa Rica/Exhibition of “To be Born Once More” at Shaharei Zion Synagogue, San José, Costa Rica

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“Renacer — Los padres de la artista”/”To be Born Once More – The Parents of the Artist”

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“Tesoros vivientes”/”Living Treasures”

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“Luz de libertad”/”Light of Libertad”

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CURRICULUM — ANA WIEN

EXHIBICIONES INDIVIDUALES

2017 Paradiso, Haussmark & Blow Art Gallery, Escazú, San José, Costa Rica.

2017 Sala VIP, Aeropuerto Internacional Juan Santamaría, Alajuela, Costa Rica.

2016 “Colorida” Galería Rocio Quiroa, Guatemala, Guatemala.

2016 “Paradiso”, Corte Suprema de Justicia, San José, Costa Rica.

2015 “Colores por Siempre”, Plaza Tempo, San José, Costa Rica.

2015 “Renacer”, Una Nueva Vida que Floreció en una Tierra de Esperanza; Galería Nacional, San José, Costa Rica.

2014 Premios Alborada 2014, Cámara de Comercio de Costa Rica, Hotel Corobicí, San José, Costa Rica.

2014 “Renacer”, Una Nueva Vida que Floreció en una Tierra de Esperanza, Centro Israelita, San José, Costa Rica

2013 Restaurante Nuevo Latino, Los Sueños Marriott Ocean & Golf Resort, Herradura, Puntarenas, Costa Rica.

2012 Restaurante Nuevo Latino, Los Sueños Marriott Ocean & Golf Resort, Herradura, Puntarenas, Costa Rica

2011 Los Sueños Marriott Ocean  & Golf Resort, Herradura, Puntarenas, Costa Rica.

2011 Restaurante Nuevo Latino, Los Sueños Marriott Ocean & Golf Resort, Herradura, Puntarenas, Costa Rica.                                                                                                          

2010 Los Sueños Marriott Ocean & Golf Resort, Herradura, Puntarenas, Costa Rica.

2010 Restaurante Nuevo Latino, Los Sueños Marriott Ocean & Golf Resort, Herradura, Puntarenas, Costa Rica.                                                                                                          

2009 VIP Lounge, Aeropuerto Internacional Juan Santamaría, Alajuela, Costa Rica.

2009 Restaurante Nuevo Latino, Los Sueños Marriott Ocean & Golf Resort, Herradura, Puntarenas, Costa Rica.

2008 Restaurante Nuevo Latino, Los Sueños Marriott Ocean & Golf Resort, Herradura, Puntarenas, Costa Rica.

2008 Galería DeJair, San José, Costa Rica.

2007 Restaurante Nuevo Latino, Los Sueños Marriott Ocean & Golf Resort, Herradura, Puntarenas, Costa Rica.

2007 Los Sueños Marriott Ocean & Golf Resort, Herradura, Puntarenas, Costa Rica.

2007 Restaurante Sebastián, Escazú, Costa Rica..

2006 Bacchus, Santa Ana, Costa Rica.

2006 Los Sueños Marriott Ocean & Golf Resort, Herradura, Puntarenas, Costa Rica.

2006 Festival de Arte Urbano, Plaza de las Artes, San José, Costa Rica.

2006 Expoarte 2006, San José, Costa Rica.

2006 Festival Internacional de las Artes, FIA 2006, San José, Costa Rica.

2006 VIP Lounge, Aeropuerto Internacional Juan Santamaría, Alajuela, Costa Rica.

2005 Costa Rica Country Club, San José, Costa Rica.

2005 Hotel Docelunas, Jacó, Costa Rica.

2003 Galería Artmax, San José, Costa Rica.

2001 Galería Artmax, San José, Costa Rica.

1986 Alianza Francesa, San José, Costa Rica

1982 Alianza Francesa, San José, Costa Rica.

1980 Museo Nacional, San José, Costa Rica.

1979 Museo Nacional, San José, Costa Rica.

EXPOSICIONES COLECTIVAS

2018 World Art en Academia “4Art Lille”, Grand Palace Lille, Francia.

2018 “Exposición Derechos Humanos”, ACAV, Galería Talentum, San José, Costa Rica.

2018  “Amazonas Luchando por la Vida”, Subasta Naranja a Beneficio de Proyecto Daniel, Galería Nacional, San José, Costa Rica.

2018  “Sumatorio”, IV Salón Anual de ACAV, Museo Histórico Juan Santamaría, Alajuela, Costa Rica.

2017 “Tocando Corazones”, Fundación Funicor, exposición itinerante, San José, Costa Rica.

2017 Tercer Salón Anual ACAV, Museo Municipal de Cartago, Cartago, Costa Rica.

2016 “Vaivén Arte Convergente”, Galería del Colegio Dominicano de Artistas Plásticos, Santo Domingo, República Dominicana.

2016 “Arte en Mayo”, Fundación Rozas Boltran, Guatemala, Guatemala.

2015 “Cada Cabeza es un Mundo”, Galería Nacional, Museo de los Niños, San José, Costa Rica.

2015 “Percepción y/o Realidad”, II Salón Anual de Artes Visuales, ACAV, Galería Nacional, San José, Costa Rica.

2015 “Wonder Woman Art Bra, Tradition & Innovation”, Riga 2015, 5th Riga International Testile and Fibre Art Triennial, Riga, Letonia.

2015 “Derechos Humanos”, ACAV, Corte Suprema de Justicia, San José, Costa Rica.

2015 “Día Mundial del Arte”, Plaza Tempo, San José, Costa Rica.

2014 “Latin Network for the Visual Arts”, Latin Views 2014, Biennial Exhibit, Alexey von Schlippe Gallery of Art, University of Connecticut at Avery Point, CT, Estados Unidos.

2014 “Derechos Humanos”, ACAV/Instituto Interamericano de Derechos Humanos, Tribunal Supremo de Elecciones, San José, Costa Rica.

2014 “Costa Rica-Puente Verde”, Galería Nacional, Sala VII, San José, Costa Rica.

2014 “LibroArte”, Feria del Libro 2014, San José, Costa Rica.

2014 Salón Anual, ACAV, Casa del Cuño, San José, Costa Rica.

2014 “La palabra integrada al libro Arte”, ACAV, Sala Paraninfo-UNED, San José, Costa Rica.

2014 Conservatorio Libro-Arte, Biblioteca Mark Twain, Centro Cultural Costarricense Norteamericano, San José, Costa Rica.

2014 “Rizomas”, Exposición en pequeño formato, ACAV, Casa del Artista, San José, Costa Rica.

2013 “Costa Rica, Pont Vert”, ACAV, Pavillon Charles X, Saint-Cyr-sur-Loire, Francia.

2013 Memoria Pertinente, Embajada de Costa Rica, Managua, Nicaragua.

2013 Vida en el Arrecife, Banco de Costa Rica, Puntarenas, Costa Rica.

2013 Nostalgias y Vivencias, Galería Talentum, San José, Costa Rica.

2013 Nostalgias y Vivencias, Casa Cultural Barrio Amon, San José, Costa Rica.

2013 Rizonas, Casa del Artista, San José, Costa Rica.

2013 Encuentro Acav Fia, Casa del Cuño, San José, Costa Rica

2013 Derechos Humanos, ACAV, Tribunal Supremo de Elecciones, San José, Costa Rica.

2013 Colección Grano de Oro de Sintercafé, Centro Cultural e Histórico José Figueres Ferrer, San Ramón, Costa Rica.

2012 Latin Network for the Visual Arts, Latin Views 2012 Biennial Exhibit, Alexey von Schlippe Gallery of Art, University of Connecticut, Avery Point, CT, Estados Unidos.

2012 Un Sostén para la Vida, AG Textil Lucha Contra el Cáncer de Mama, San José, Costa Rica.

2012 Sintercafé XXVI, Grano de Oro, Hotel Real Intercontinental, San José, Costa Rica.

2012 Colectivo Abierto de Pintura, Casa del Cuño, Antigua Aduana, San José, Costa Rica.

2012 El Jardín de los Refranes, Esculturas Rodantes, Museo de San Ramón, Alajuela, Costa Rica.

2012 El Arte de la Paz, Galería Nacional, San José, Costa Rica.

2012 El Jardín de los Refranes, Esculturas Rodantes, Museo Juan Santamaría, Alajuela, Costa Rica.

2012 Redes, Primer Encuentro Internacional ACAV FIA, San José 2012, Casa del Cuño,Antigua Aduana, San José, Costa Rica.

2012 El Jardín de los Refranes, Esculturas Rodantes, Festival Internacional de Arte, San José, Costa Rica.

2011 Barrio Amón, Nostalgias y Vivencias, Instituto Tecnológico de Costa Rica, San José, Costa Rica.

2011 BCR-ARTEGalería Siegried Schosinsky, Banco de Costa Rica, San José, Costa Rica.

2011 Lajas por Lajas, Asociación Costarricense de Artistas Visuales, Costa Rica Country Club, San José, Costa Rica.

2010 Arte en Piel en Mov imiento, Colección Diario Vivir, Diseño 10, Antigua Aduana, San José, Costa Rica.

2010 Latin Network for the Visual Arts, Latin Views 2010 Biennial Exhibit, Alexey von Schlippe Gallery of Art, University of Connecticut, Avery Point, CT, Estados Unidos.

2010 Cruces de Vías, Artista invitada, Casa de la Cultura, Puntarenas, Costa Rica.

2010 Concasida VI, San José, Costa Rica.

2009 Tributo a Osa, Galería Nacional, San José, Costa Rica

2009 Rupestre 2009, Instituto de México, San José, Costa Rica.

2009 Rupestre 2009, Hotel Corteza Amarilla, San José, Costa Rica.

2009 Viva el Arte, Plaza del Sol, San José, Costa Rica.

2009 Crisis, Arte, Inversión”, Galería Carlow & Co, San José, Costa Rica

2008 Artists and Life, Espace Art et Liberté, Paris, Francia.

2008 Cow Parade, San José, Costa Rica.

2008 Sintercafé XXII, Grano de Oro, Hotel Real Intercontinental, San José, Costa Rica.

2008 200 años de Café de Costa Rica, Museo Nacional, San José, Costa Rica.

2008 El Jardín de las Delicias, Universidad Nacional, Heredia, Costa Rica.

2008 Miradas Sutiles, Arte en Tercera Dimensión, Centro Cultural Costarricense Norteamericano, San José, Costa Rica.

2008 Festival Artístico, Casa de la Cultura, San Antonio de Belén, Costa Rica.

2008 “Arcoiris”, Galería Carlow & Co, San José, Costa Rica.

2008 El Jardín de las Delicias, Centro Cultural Casa Azul, Heredia, Costa Rica.

2008 Festival de Arte “Identidad”, Galería Carlow & Co, Reserva Conchal, Guanacaste, Costa Rica.
2008 XIII Festival de Arte, San José, Costa Rica.

2008 El Jardín de la Delicias, Festival Internacional de las Artes, San José, Costa Rica.

2008 Expresión Humana del Desnudo, Casa de la Cultura, Heredia, Costa Rica.

2008 Arte por Amor, Galería Carlow & Co, San José, Costa Rica.

2007 “Navidad”, Arte y Trío de Flautas Mágicas de la Sinfónica, Galería Carlow & Co, San José, Costa Rica

2007 Sintercafé XXI, Grano de Oro, Hotel Real Intercontinental, San José, Costa Rica.

2007 El Jardín de las Delicias, Galería Gráfica Génesis, San José, Costa Rica.

2007 Siéntase Bien…Ayude a un Niño, Galería Klaus Steinmetz, Escazú, Costa Rica.

2007 Pintura en Vivo en la Montaña 2007, Fraijanes, Alajuela, Costa Rica.

2007 II Encuentro de Pintores, Plaza del Sol, San José, Costa Rica.

2007 Galería Internacional El Refugio de los Artistas, Alajuela, Costa Rica.

2007 XII Festival de Arte, San José, Costa Rica

2006 III Trienal Internacional del Tile Cerámico, Museo de Arte Moderno, Santo Domingo, República Dominicana.

2006 Artists & Life, Toit de l’Arche de la Défense, Paris, Francia.

2006 Artists & Life, Galerie Figure, Paris, Francia.

2006 California International Art Show, Latino Art Museum, Pomona, California, E.E.U.U.

2006 International Summer Exhibition, Museum of the Americas, Doral, Florida, E.E.U.U.

2006 XI Festival de Arte, San José, Costa Rica

2006 Sintercafé XX, Grano de Oro, Hotel Real Intercontinental, San José, Costa Rica.

2005 Décimo Festival de Arte, San José, Costa Rica.

2005 Latinoamérica Contemporánea 2005, Hotel Marriott, San José, Costa Rica.

2005 Sintercafé XIX, Grano de Oro, Hotel Herradura, San José, Costa Rica.

2005 Barcelona ‘05, Crisolart Galleries, Barcelona, España.

2005 Semillas de Esperanza, Hotel Barceló San José Palacio, San José, Costa Rica.

2005 International Artists in Copenhagen, Crisolart Galleries, Copenhagen, Dinamarca.

2005 Women in the Arts 2005, Museum of the Americas, Miami, E.E.U.U.

2005 New York International Art Festival, NewYork, E.E.U.U.

2005 III Edición Parque de la Expresión, Museo de Arte Costarricense, San José, Costa Rica.

2005 Galería Internacional El Refugio de los Artistas, Alajuela, Costa Rica.2005 Club Punta Leona, Puntarenas, Costa Rica.

2005 Club Punta Leona, Puntarenas, Costa Rica

2004 Hotel Costa Rica Marriott pro Beneficencia Hospital San Juan de Dios.

2003 Sintercafé XVII, Grano de Oro, Hotel Herradura, San José, Costa Rica.

2003 Sétimo Festival de Arte, San José, Costa Rica.

2002 Sexto Festival de Arte, San José, Costa Rica.

2002 Sintercafé XVI, Grano de Oro, Hotel Herradura, San José, Costa Rica.

2002 Quinto Festival de Arte, San José, Costa Rica.

2001 Sintercafé XV, Grano de Oro, Hotel Herradura, San José, Costa Rica.

2001 Cuarto Festival de Arte, San José, Costa Rica.

2000 Exposición de Pintura y Escultura, Asociación ACAP, Hotel San José Palacio.

2000 Tercer Festival de Arte, San José, Costa Rica.

2000 Sintercafé XIV, Grano de Oro, Hotel Herradura, San José, Costa Rica.

1999 Segundo Festival de Arte, San José, Costa Rica.

1999 Sintercafé XIII, Grano de Oro, Hotel Herradura, San José, Costa Rica.

1999 Primer Festival de Arte, San José, Costa Rica.

1998 Casa Cultura Popular José Figueres Ferrer, Banco Popular, San José,Costa Rica.

1998 Festival de Arte, Galería Ulises, San José, Costa Rica.

1998 Sintercafé XII, Grano de Oro, Hotel Herradura, San José Costa Rica.

1998 Certamen Israel 50, Galería Nacional, Museo de Ciencia y Cultura, San José, Costa Rica.

1998 Exposición de Pintura y Escultura, Asociación ACAP, Hotel San José Palacio, San José, Costa Rica.

1997 Sintercafé XI, Grano de Oro, Hotel Herradura, San José Costa Rica.

1996 Sintercafé X, Grano de Oro, Hotel Herradura, San José, Costa Rica.

1995 III Bienal Centro Israelita Sionista Costarricense, San José, Costa Rica.

1993 II Bienal Centro Israelita Sionista Costarricense, San José, Costa Rica.

1993 Subasta de Arte, Pro Beneficencia Unidad de Quemados, Hospital Nacional de Niños, San José, Costa Rica.

1991 I Bienal Centro Israelita Sionista Costarricense, San José, Costa Rica.

1984 La Petite Galerie, Burdines, Miami, Florida, E.E.U.U.

1983 Centro Cultural Costarricense Norteamericano, San José, Costa Rica.

1982 Instituto Costarricense de Electricidad, San José, Costa Rica.

1982 Octubre Cultural, Galería Omni, San José, Costa Rica.

1981 Sala Expo 5, San José, Costa Rica.

1981 Colegio de Periodistas, San José, Costa Rica.

1980 The Meeting Point Gallery, Miami, Florida, E.E.U.U.

1980 Galería Contemporánea, San José, Costa Rica.

1980 Galería Forma y Color, San José, Costa Rica.

1973 IV Salón Anual, Museo Nacional, San José, Costa Rica.

1970 Subasta de Arte Pro Beneficencia Unidad de Quemados, Hospital Nacional de Niños, San José, Costa Rica.

PREMIOS

2013 Primera Mención Honorífica, Certamen de Arte Grano de Oro, Sintercafé XXV, San José, Costa Rica.

2005 Mención de Honor, Women in the Arts 2005, Museum of the Americas, Miami, Florida, E.E.U.U.

2005 Second Runner-up, New York International Art Festival, New York, E.E.U.U

1999 Mención de Honor, Certamen de Arte Grano de Oro, Sintercafé XIII, San José, Costa Rica.

1997 Primer Lugar, Certamen de Arte Grano de Oro,                                            Sintercafé XI, San José, Costa Rica.

Pedro Roth — Artista visual judío-argentino/Argentine-Jewish-Artist — “El artista inventa un mundo”/ “The Artist Invents a World”

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Pedro Roth

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Website

Catálogo/Catalogue

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Biografía

Pedro Roth nació en Budapest, Hungría en 1938. Es Licenciado en Realización Cinematográfica, Universidad Nacional de La Plata. Estudió fotografía con Esteban Sandor y se especializó en retratos con Nicolás Schonfeld. Especialización de fotografía de obras de arte en el museo Metropolitan, MOMA, Sotheby’s en New York. Es realizador de numerosos audiovisuales. Artista plástico autodidacta. Realiza muestras de pintura in muchos países desde 1976.

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Biography 

Pedro Roth was born in Budapest, Hungary in 1938. He has a degree in Filmmaking from the National University of La Plata, Argentina. He studied photography with Esteban Sandor and specialized in portraits with Nicolás Schonfeld.  He studied the photography of works of art in the Metropolitan Museum of Art, Museum of Modern Art, Sotheby’s in New York. He is the director of numerous audiovisuals. Self-taught artist. He has had shows in many countries since 1976.

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Interpretación

El artista inventa un mundo. Pedro Roth inventó un mundo y nos invita, nos convida, nos lo ofrece. Entramos con interés y expectativa. Nos sorprende, nos confunde, nos captura, nos subyuga. El mundo es él? Es de él? Él lo sabe? Lo sabía? Nosotros lo sabíamos? Ya lo sabemos. Gracias Pedro por la magia y la luz. Gracias por mostrarnos el “no miedo”. Porque también eso descubrimos! No aparece el miedo.

Sofia Kunst

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Interpretation

The artist invents a world. Pedro Roth invented a world and invites us, invites us, He offers it to us. We enter with interest and expectation. It surprises us, confuses us, captures us, subjugates us. The world is he? It’s from him? He knows? I knew it? We knew it? We already know. Thank you Pedro for magic and light. Thank you for showing us the “no fear”. Because we discovered that too! Fear does not appear.

Sofia Kunst

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Pinturas de Pedro Roth/Paintings by Pedro Roth

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Rabino 
70 cm. x 100 cm. 
2005 
Acrílico sobre tela/Acrylics on canvas

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Ángel 
70 cm. x 100 cm. 
2009 
Acrílico sobre tela 

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 Amanece /Dawn
100 cm. x 150 cm. 
2009 
Acrílico sobre tela 

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Somos todos iguales/We are All Equal
70 cm. x 100 cm. 
2009 
Acrílico sobre tela 

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La visita 
70 cm. x 100 cm. 
2009 
Acrílico sobre tela 

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Entreteniendo al bebe/     Entertaining the Baby
100 cm. x 70 cm. 
2006 
Acrílico sobre tela

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Palermo 
70 cm. x 100 cm. 
2009 
 Acrílico sobre tela 

Roth046
Tormenta/Storm
70 cm. x 100 cm.
2009
Acrílico sobre tela    

Roth043
La pecera/Fishbowl
80 cm. x 100 cm.
2009
Acrílico sobre tela

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Familia 
70 cm. x 200 cm. 
2009
Acrílico sobre tela

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Curriculum Vitae de Pedro Roth

Pintura

Además de varias muestras colectivas realizó las siguientes exposiciones:

2013- Celebraciones, Fondo Nacional de las Artes, Casa de la Cultura.

2013- Panorama, Honorable Senado de la Nación Argentina.

2013- La gota el río, Fundación Pasaje 865.

2013- Pentecostes, Iglesia Saint Cristhoforus, Berlín.

2013- Volver a Ver, Sinagoga de Jerusalem, Praga, República Checa/Czech Republic..

2013- Dibujos, Universidad Carolina, Castillo Podebrady, República Checa/Czech Republic.

2012- Somos todo iguales, Cabildo Histórico de la Ciudad de Córdoba, Argentina.

2012- Mikrokosmos, Museo Judío (Jewish Museum) de Buenos Aires, Argentina.

2011- No todo es Nirvana en la Calle Corrientes Baby y Midnight Nirvana at Time Square,  Casa del Rey Juan Carlos en Manhattan, New York University.

2011- Clima, Dain Usina Cultural

2011- Libros, Instituto Ibero-Latinoamericano, Berlin

2010- Seiscientos por diezmil, Museo Judío de Frankfurt.

2010- Un mundo desde la cama, Museo Történeti, Budapest,

2010- El Camino, Museo Caraffa, Cordoba, Argentina

2009- Story Telling, Galería Point of Contact, Syracuse University, USA

2009- Inauguración Fundación CIPAC, Fundacion CIPAC junto con Juan Cavallero

2009- Seiscientos por diezmil, Centro Cultural Recoleta

2009- Desde la cama, Museo Sivori

2009- Memoria, AMIA

2009- Pinturas Recientes, Viejo Hotel Ostende

2009- Homenaje a los Recuerdos, AMIA

2008- Imaginario, Galería Laura Haber

2007- Seleccionado concurso del Banco Central, Centro Cultural Borges

2006- Pinturas, MAC, Santa Fe

2005- Stand en Expoclásica, Costa Salguero

2004- Muestra de dibujos sobre papel, Galería Wussmann

2004- MemoRabi, AMIA

2004- Expo Taller, Centro Cultural Borges

2004- Muestra presentación, DAD (Digital Art Disc), Fundación TransArte

2004- Festival de Verano Konex

2003- El Golem 2003, exposición y espectáculo multimedia en Buenos Aires, MNBA

2003-Objetivamente, Galería Ática

2003-Y de otras yerbas, Galería Dharma

2003-Casa de la cultura de la Municipalidad de Buenos Aires

2002-El Golem, exposición y espectáculo multimedia en Praga/Prague

2002-Tres Miradas, Museo Macla, La Plata

2001-Muestra en Espacio Bs. As.

2000-El sueño argentino, Centro Cultural Recoleta

2000-La casona de los Olivera parque Avellaneda.

2000-Reportaje a mi cambio de milenio-Centro Cultural Borges

1998-Art International New York, Stand Galería Adriana Indik

1997-Galería Adriana Indik

        -Espacio Giesso-Reich

1996-Fundación Banco Patricios

1994-Bonastruc Saporta, Gerona, España/Spain

1992-Centro Cultural Recoleta

1990-Barbaro

        -Restaurant Olé

1986-Galería Arte Mide

1982-Galería Arte Nuevo

1978-Galería Scheinshon

1976-Galería Siglo XX

Fotografía

2007- Grafitis políticos 83´, Expotrastienda 2007

2007- Balcones Coloniales del Cuzco, Museo de Arte Español Enrique Larreta

2006- Historias Judías en el paisaje de Buenos Aires, Museo Judío de Praga/Jewish Museum of Prague

2006- Las cuatro estaciones, Galería Wussmann

2005- Educar por la paz, Centro Cultural Borges

2005- Educar por la paz, Centro Cultural Borges

2004- Dos miradas, Galería Dharma

2004- Homenaje a Kafka, Galeria Hoy en el Arte

2004- Fotos de Praga, Museo MACLA La Plata

2003-Fotos de Praga, Golem 2003, Centro Cultural Borges

2002-Blanco y negro en color, Galería Arroyo festival de la luz

2001-Fotografias de Paris, Centro Cultural Sur Bs. As.

2001-Intervenciones, Fotoclub Bs. As.

2001-Muestras en galería St. Charles de Rose (Paris)

2000-Bs. As. Jungla, Galería Hilda Solano

2000-Reportaje a mi cambio de milenio, Centro Cultural Borges

1998-Vida en el hospital Garraham, Centro Cultural Recoleta

1997-Campo Argentino, Biblioteca Nacional

1994-París Cultural, Centro Cultural Recoleta

1988-Cúpulas de Buenos Aires, París, Francia

1985-Retratos de habitués, Café Florida Garden

1983-Galería Ruth Benzacar

1983-Teatros de San Telmo, Espacio Giesso

1980-Pliegues, Barbaro

1962-Impresiones, Falbo Librero Editor

Escritor

Libro publicado: El Pensamiento Urbano y El Pensamiento Rural

Premios y Distinciones

1999- Tercer premio concurso Palacio de las Artes

2005- Tercer premio de la bienal  Paloma Alonso

2013- Mención de Honor Senador Domingo Faustino Sarmiento, otorgado por la Honorable cámara de Senadores de la Nación.

2010- Nombrado Ciudadano destacado de la Cultura por La Legislatura de la Ciudad de Buenos Aires

2006-  Medalla al mérito del Gobierno Húngaro por trabajo intelectual

Poseen obras suyas

Museo de Arte Moderno Buenos Aires (MAMBA)

Museo de Arte Contemporáneo Latinoamericano, La Plata(MACLA)

Museo Judío de Praga

Museo de Bellas Artes de Azul, Provincia de Buenos Aires

Museo de Arte Contemporáneo de Santa Fe (MAC)

Museo Judío de Buenos Aires

Centro Cultural Bonastruc Saporta, Gerona, España

Colección Charquis

Colección Mauricio Neuman

Colección Ruth Benzacar

Colección Sofía Müller

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Nora Seilicovich — Artista visual judío-argentina/Argentine-Jewish Artist — “Dibujos y pinturas de Londres, Córdoba, España e Estambul”/”Drawings and Paintings of London, Cordoba, Spain and Istanbul”

 

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Nora Seilicovich

Nora Seilicovich  es artista visual, arquitecta y diseñadora. Nacida en la Ciudad de Buenos Aires, Argentina, ha realizado estudios de Arquitectura en la Universidad de Buenos Aires. Graduada en dibujo, pintura y grabado en los estudios de Aída Carballo; así como en la Escuela Superior de Bellas Artes “Prilidiano Pueyrredón”.
Desde 1980 realiza numerosas exposiciones y muestras, tanto individuales como colectivas, en la Argentina como en el exterior. Varias de sus obras están en manos de coleccionistas privados (Brasil, Uruguay, Chile, España). Desde el año 2015, ha incursionado en el Arte digital, desarrollando imágenes en estampas y de tipo animación, como cortos y en videoarte. Así como como la realización de los primeros cortos de animación que van adquiriendo notoriedad en Festivales Internacionales y están nominados en varios de ellos.

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Nora Seilicovich is a visual artist, architect and graphic designer. Born in Buenos Aires, she has completed her studies in Architecture at the University of Buenos Aires. She is a graduate in drawing, painting and printing from the Studio of Aída Caballo, as well as the Escuela Superior de Bellas Artes “Prilidiano Pueyrredón.” Since 1980, she has held numerous individual and group shows in Argentina and in other countries. Some of her work works belong to private collectors (Brazil, Uruguay, Chile, Spain.) Since 2015, she has entered the field of  digital art, developing images  in print and in animations, short features and video-art. Her first animated short features and gaining renown in International Festivals and have been nominated for prizes in several of them.

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Website

Video Collage

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“Libro de Viaje/”Travel Book” — 2018                                  Video — Nora Seilicovich

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Dibujos de Londres/Drawings of London

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Hyde Park Café, London

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Kentish Town, London

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Hamstead Heath, London